Film di Fio

Hugo Cabret

2012-02-13T13:23:00.000-08:00

All'inizio sembra che la neve ti sfiori il viso e d'istinto alzi la mano per toccarla. Ma in realtà non c'è nulla davanti a te, se non, e piuttosto lontano, uno schermo gigante. E' con questa piccola "magia" che comincia "Hugo Cabret", l'ultimo film di Martin Scorsese, il suo primo 3D (tratto dal romanzo La straordinaria invenzione di Hugo Cabret di Brian Selznick, pronipote di David, il produttore di "Via col vento"). Siamo nella Parigi degli anni Trenta, in uno dei suoi "ingranaggi" più frenetici: la stazione di Montparnasse. E' qui che abita clandestinamente il piccolo Hugo (Asa Butterfield), un orfanello a cui la vita ha levato tanto ma che riserva per lui anche particolari sorprese. Hugo aggiusta orologi e prova a rimettere in sesto un automa lasciatogli in "eredità" dal papà. Nella ricerca dei pezzi mancanti, si imbatte nel signor George (Ben Kingsley), nella sua bottega di giocattoli in stazione e nella sua figlioletta adottiva. Ma George, burbero e intransigente, non è un semplice costruttore e venditori di giocattoli di latta. E' un "mago", un visionario, uno che nei prissimi anni di vita del cinema ha visto in esso un linguaggio espressivo e artistico unico. George è George Méliès, quello de il "Viaggio nella luna".

Scorsese parte da qui per fare un omaggio commovente alla Settima arte. E lo fa con gli occhi di un bambino, con uno sguardo curioso, con un amore sconfinanto per quest'arte che continua ad ammaliare. Ed è significativo che questo omaggio venga fatto in 3D e che 3D. Personalmente è la prima volta che vedo un film girato in 3D con coscienza. Non c'è la ricerca dell' effetto, quanto un lavoro magistrale (non a caso si parla di uno dei più grandi registi in circolazione ancora) nel cucire pefettamente la tecnologia e le sue prodezze all'interno del tessuto narrativo e dell'estetica del film. Con un risultato artistico stupefacente. Lo spettatore "vive" l'epoca, i luoghi, i personaggi. Si prova quello che forse hanno provato quei primissimi spettatori del cinema dei Lumière, quando una locomotiva stava per "sfondare" lo schermo della sala.

Poi c'è la storia, tenera, emozionante. Il piccolo Hugo cerca il suo posto nel mondo, domanda lecita quando ad una manciata di anni ti trovi solo al mondo. In che parte dell'ingranaggio vita-universo si trova Hugo? Dov'è il senso della sua esistenza? La sua ricerca è stranziante, il rifugio nelle invenzioni del padre e nel cinema toccante. Che il cinema possa dare nuova vita? Non sono Scorsese, ma mi viene gran voglia di dire di si.

Da non perdere.

Leonardo da Vinci al cinema

2012-02-10T05:42:00.000-08:00

La visita guidata della mostra londinese della National Gallery "Leonardo da Vinci: pittore alla corte di Milano" sarà trasmessa, giovedì 16 febbraio alle ore 20.00, al Multicinema Modernissimo via satellite con un film-evento di 100 minuti, prodotto da Phil Grabsky della PhilGrabskyFilms.com e presentato dai giornalisti d'arte anglosassoni Mariella Frostrup e Tim Marlow."Leonardo da Vinci: pittore alla corte di Milano" riunisce per la prima volta opere e disegni di Leonardo e si è rivelata una mostra epocale che ha suscitato l’interesse di pubblico e appassionati tanto da aver ormai registrato il tutto esaurito.

Ripresa alla vigilia dell’apertura della mostra di Londra, LEONARDO LIVE condurrà lo spettatore in un viaggio in alta definizione tra le sale della mostra con approfondimenti e commenti che sveleranno i segreti dei quadri esibiti oltre a preziosi contenuti extra.

Visto il recente restauro della Vergine delle rocce della National Gallery, l’esposizione è dedicata totalmente a Leonardo artista. In particolare si indaga l’opera di Leonardo come pittore di corte del duca di Milano Ludovico Sforza.Tra le opere in mostra La Belle Ferronière (Musée du Louvre, Parigi), la Madonna Litta (Hermitage, San Pietroburgo), San Girolamo (Pinacoteca Vaticana, Roma), oltre che le due versioni della Vergine delle Rocce - appartenenti alla National Gallery e al Louvre- che saranno mostrati insieme per la prima volta in assoluto. La mostra presenta inoltre il Salvator Mundi (di recente attribuzione) e una copia dell'Ultima Cena, in prestito dalla Royal Academy.Accanto ad essa vengono esposti tutti gli straordinari disegni preparatori realizzati da Leonardo per il Cenacolo: un modo esclusivo per scoprire, sin nel minimo dettaglio, come un grande dipinto sia stato progettato ed eseguito da uno dei più grandi geni di tutti i tempi.

Al via le iscrizioni per l'Ischia Film Festival

2012-02-08T09:22:00.000-08:00

Si terrà dal 30 Giugno al 7 Luglio 2012 la decima edizione dell'Ischia Film Festival, il concorso cinematografico internazionale dedicato alle opere che valorizzano il territorio attraverso la scelta di location particolari.Da quest'anno è disponibile sul sito ufficiale del festival l'entry form per l'iscrizione delle opere direttamente dal web (per tutti gli utenti della piattaforma MoviBeta è disponibile anche la pagina d’iscrizione on-line dedicata all’Ischia Film Festival).Possono partecipare al Festival lungometraggi, documentari e cortometraggi, italiani ed internazionali, proiettati per la prima volta al pubblico nel 2011 o 2012, che abbiano dato particolare rilevanza alla location che fa da sfondo all'opera o all'identità culturale del territorio narrato.

Il festival non assegna premi in denaro ma, grazie ai suoi sponsor tecnici, saranno a disposizione dei vincitori uno sconto sull’acquisto di pellicola 16mm o 35mm offerto dalla FujiFilm e lo sviluppo e telecinema SD, pari ad un valore di 1.500, dalla Augustus Color, oltre ovviamente all’invito ad Ischia per la cerimonia di premiazione.Il catalogo della precedente edizione è pubblicato sul sito ufficiale del festival.La deadline per l'iscrizione è fissata per il 30 Aprile 2012.

http://www.ischiafilmfestival.it/

Paolo Buonvino, musica per il cinema

2012-01-31T07:55:00.000-08:00

Paolo Buonvino è compositore di molte colonne sonore per film. Collaboratore storico di Gabriele Muccino, Giovanni Veronesi, Roberto Faenza, Michele Placido, Franco Battiato, ha lavorato anche con Elisa, Negramaro, Jovanotti. E proprio con Lorenzo Cherubini e Giuliano Sangiorgi si esibirà il prossimo 5 febbraio in concerto con l'Orchestra Sinfonietta (la stessa di Ennio Morricone) in cui saranno eseguite le più significative colonne sonore da lui realizzate in 15 anni di attività. A completare il programma della serata, un omaggio alla tecnologia con la presentazione di un brano inedito, in prima assoluta scritto per Ipad e orchestra.

Le coordinate: Domenica 5 febbraio alle 21:00 - Auditorium Parco della Musica, Roma.

Innamorati del cinema, in giro a Napoli

2012-01-30T04:52:00.000-08:00

Un nuovo appuntamento per conoscere la Napoli del cinema, dove tra vicoli e palazzi, terra e mare, la macchina cinematografica si è mossa instancabile sin dai suoi esordi. Domenica 12 febbraio 2012 Campania Movietour organizza un tour nei luoghi che hanno fatto da sfondo a tanti capolavori del cinema. Il percorso, pensato in occasione di S. Valentino, vedrà protagonista l’amore al cinema nelle sue varie declinazioni, con storie d’amore ironiche, passionali, struggenti. Si evidenzieranno numerosi siti di valore storico-artistico e i vari aneddoti relativi al passato della città. Nel corso della passeggiata a piedi, della durata di circa un paio d’ore, le guide condurranno i partecipanti nel quartiere S. Lucia, nelle location cinematografiche di opere che vanno dai Lumière fino a Massimo Troisi, raccontando i retroscena della loro realizzazione: dal Borgo Marinari, ambientazione per "Pensavo fosse amore invece era un calesse", alla Banchina S. Lucia per "Viaggio in Italia" e "Maccheroni", da via S. Lucia location scelta dai fratelli Lumière a Piazza Plebiscito ambientazione per le "Quattro giornate di Napoli" e "L’oro di Napoli".

Durante il percorso sono previsti brevi rievocazioni di alcune scene famose di film entrate nella memoria collettiva.

MODALITA' DI PARTECIPAZIONE Contributo organizzativo adulti: singolo: € 13,00; coppia (anche di amici): € 20,00* Contributo organizzativo minorenni: gratuito fino a 18 anni. Incontro con i partecipanti: Piazza Trieste e Trento, ingresso Palazzo Reale. Durata: dalle 10:00 alle 12:30. Obbligatoria la prenotazione entro sabato 11 febbraio.INFO E PRENOTAZIONISiti Reali ONLUS 081 6336763 - 392 2863436 - cultura@sitireali.it Campania Movietour 3206151107- info@campaniamovietour.comwww.campaniamovietour.cominfo@campaniamovietour.com+39 3206151017_+39 3206151107

"L'uomo in più" nei cinema francesi

2012-01-29T16:13:00.000-08:00

Il primo febbraio sbarca nelle sale francesi "L'uomo in più" il primo lungometraggio di Paolo Sorrentino, uscito in Italia nel 2001. Dopo il successo de "Il divo", premiato a Cannes e il consenso per "This must be the place", anche l'opera prima del regista napoletano potrà essere ammirata dal pubblico d'oltralpe che conosce anche i suoi altri film: "L'amico di famiglia" e "Le conseguenze dell'amore".

Sul web, si iniziano a registrare già i primi commenti, in attesa delle proiezioni. C'è chi scrive, dopo aver visto il trailer: "impressionante e virtuoso, come tutti i film di Sorrentino!". Un altro: "Ancora un altro grande Paolo Sorrentino". Uno spettatore si mostra invece scettico sul futuro del film: "Escono film con Tony Servillo ogni mese di questi tempi. Il problema è che nessuno di essi riesce a superare l'ostacolo della prima settimana di distribuzione in Francia. Poco sicuro che questo faccia eccezione".

Noi ci auguriamo il contrario, chiaramente.

Tina Modotti, un nuovo sguardo. Una mostra a Roma

2012-01-29T15:18:00.000-08:00

Edward Weston fotografa Tina Modotti

D’indole ribelle, proletaria per nascita, Tina Modotti appartiene a quella generazione di artisti che hanno intrecciato i fili dell’impegno sociale alle cause che, nella prima metà del XX secolo, hanno condotto a nuovi modi di intendere la ragion d’essere dell’uomo contemporaneo. Attrice di teatro e cinema, fotografa, rivoluzionaria, pasionaria perseguitata, musa di grandi artisti come Neruda e Alberti, modella di Rivera e Siqueiros, figura controversa dai molti nomi e dalle molte vite, la Modotti ha avuto una grande vera passione: la fotografia.

Una mostra (vernissage il 1° febbraio. Fino all'11 marzo) organizzata dall’Ambasciata del Messico all'Instituto Cervantes di Roma (piazza Navona 91) ne offre un ritratto unico, grazie a una selezione di fotografie scattate tra il 1923 e il 1927 che ci pone di fronte a immagini innovative e semplici.

Tina Modotti ha messo la fotografia prima messa al servizio degli ideali sociali e poi sacrificata per la lotta politica, rivelatasi quando aveva vent’anni grazie a Edward Weston, il maggior fotografo dell’epoca che l’amò e ne fece la sua musa. Una donna dalla vita intensa e scandalosa per il costume dell’epoca, in largo anticipo sui tempi. È stata il simbolo della nuova condizione femminile del Novecento, sulla strada dell’emancipazione e della liberazione sessuale.

Il giorno dell'inaugurazione si proietterà “Tinissima. Il dogma e la passione”, documentario di Laura Martínez Diaz - presentato in anteprima lo scorso aprile a Città del Messico - che racconta cronologicamente l’esperienza personale e artistica della fotografa fino al momento in cui lascia l’Italia. Ma il documentario racconta anche del periodo californiano, con un focus sui film che l’hanno vista protagonista nella Hollywood dell’epoca, e una ricostruzione con materiale d’archivio del periodo messicano.

Inoltre ogni venerdì alle ore 19, dal 3 febbraio al 9 marzo, si tiene il ciclo “La rivoluzione messicana nel cinema”, con la proiezione di sei pellicole: “La Negra Angustias” di Matilde Landeta (1949), “Ora sí ¡tenemos que ganar!” di Raul Kamffer (1978), “Vámonos con Pancho Villa” di Fernando de Fuentes (1935), “María Candelaria” di Emilio Fernández (1943), “La Rosa Blanca” di Roberta Gavaldon (1961) e “La sombra del Caudillo” di Julio Bracho (1960).

Info: www.roma.cervantes.es - tel. 06.686 1871 - pnavona@cervantes.es

Ricomincia Astradoc, viaggio nel cinema del reale

2012-01-27T08:17:00.000-08:00

Da qualche tempo lo storico cinema Academy Astra di Napoli propone alla città un'interessante rassegna di documentari. La sala è stata acquisita da qualche anno dall'Università Federico II che la usa per le lezioni e per programmazioni culturali. Tra queste c'è, appunto l'"AstraDoc - Viaggio nel cinema del reale" che da tre stagioni riscuote un successo costante. La rassegna è organizzata da Arci Movie, Coinor e dalla stesso ateneo federiciano e riprende venerdì 3 febbraio (ore 21.00) con il film "Clandestinamente" di Markus Lenz, uno sguardo nella Napoli dei writers fra murales e creatività, per scoprire un lato nascosto della metropoli campana (alla proiezione saranno presenti il regista, Antonella di Nocera, assessore alla Cultura del Comune di Napoli, Maria Carmen Morese direttrice del Goethe Institut di Napoli).

A seguire il 10 febbraio "Black Block" di Carlo Augusto Bachschmidt che racconta le vicende di alcuni ragazzi torturati durante il G8 di Genova del 2001 nella Scuola Diaz e nella Caserma di Bolzaneto, il 17 con "Il pezzo mancante" di Giovanni Piperno, un’indagine a 360° sulla storia della Famiglia Agnelli ed in particolare sulla figura dell’Avvocato, il 24 con "ITALY:LOVE IT, OR LEAVE IT" di Luca Ragazzi e Gustav Hofer, un viaggio su e giù per l’Italia per capire quanto vale la pena restare a vivere oggi nel Belpaese. Si attendono aggiornamenti sul resto della programmazione.

Come tradizione tutte le serate saranno accompagnate dalla presenza degli autori che interverranno per presentare i film e per incontrare il pubblico.

Ingresso: 2 euro.

Cinema Academy Astra - via Mezzocannone 109, Napoli.

A.C.A.B.

2012-01-27T07:40:00.000-08:00

La sequenza iniziale di A.C.A.B. dice già molto. I tre protagonisti, tre celerini del reparto mobile di Roma, vengono filmati fuori servizio. Favino mena, dopo averlo ammanettato, un automobilista ubriaco che lo aveva investito. Nigro starebbe facendo la spesa al supermercato con la figlioletta ma finisce per minacciare uno spacciatore fuori il negozio. Giallini va a recuperare il figlio al commissariato dopo una rissa con ragazzi dei centri sociali. Circa 10 minuti che agguantano subito l'attenzione dello spettatore e mettono le premesse per inchiodarlo alla poltrona per tutta la durata del film. Stefano Sollima esordisce così al cinema dopo il successo della serie tv ispirata a "Romanzo criminale". Lo fa con un film forte, che farà discutere chiaramente.

La pellicola è ispirata all'omonimo libro scritto da Carlo Bonini, giornalista di Repubblica, che racconta le storie vere di membri della squadra mobile. Il film raccoglie questo materiale per trasfiguralo in una narrazione consona ai tempi e al linguaggio cinematografici, lasciando sullo sfondo fatti veri di cronaca ripresi dalle inchieste di Bonini (cenni al G8 di Genova, poi l'uccisione dell'ispettore Filippo Raciti a Catania e del tifoso della Lazio Gabriele Sandri) e inserendoci le storie fittizie dei tre poliziotti che ricalcano comunque i racconti del libro.

Sollima ha ben chiaro quanto vuole mostrare e lo fa con uno stile lucido e un ritmo serrato che non possono non essere lodati. La macchina da presa segue da vicino queste tre esistenze, strette tra le morse di ideologie ottuse, la durezza del lavoro quotidiano, l'odio e la violenza che respirano giorno dopo giorno. I tre poliziotti fronteggiano quotidianamente situazioni ad alto rischio: dalle proteste sindacali, ai servizi d'ordine agli stadi, allo sgombero di case occupate e di campi rom. Sanno cos'è la guerriglia urbana e vivono, diciamolo, in un inferno di cemento, tifosi agguerriti e strade.

Tutto questo aiuta a inquadrare la vita di persone molto spesso viste in modo spersonalizzato, come burattini, pedine utilizzate dai più potenti come loro braccio "operativo". Dietro caschi e divise, ci sono però uomini con i loro vissuti, le loro tragedie familiari ed esistenziali. Fino a qui arriva la comprensione e la "umanizzazione" dei personaggi. Poi il film non risparmia la denuncia di comportamenti e azioni assolutamente scandalosi commessi dagli stessi soggetti, schiavi di una forma mentis dichiaratamente fascista. I tre celerini sposano le cause della fratellanza senza sè e senza ma, dell'ordine e della "legalità", salvo poi comportarsi, nessuno escluso, in modo imperdonabile. C'è chi picchia la moglie e trascura la figlia, chi accumula denunce su denunce per aggressioni aggravate gratuite, chi vuole fare giustizia personale e preventiva, chi per arrotondare (1.200 euro al mese per rischiare vita e salute in effetti non sono tantissimi) fa servizio d'ordine nelle discoteche e non lo potrebbe fare.

Sollima mette molto nel calderone e lo armonizza narrativamente più o meno bene, senza rivelare una posizione forzata sull'intera vicenda. Non ci sono eroi, buoni e cattivi. C'è un enorme disagio sociale a cui nessuno (forse questa l'unica vera implicita presa di posizione) mette mano, con la classe politica e dirigenziale italiana totalmente assente. Si scava molto nelle viscere più popolari di un paese che, ideologie a parte, deve combattere sempre con situazioni mai risolte. E' la fotografia della solita Italia che aspetta la tragedia (la donna violentata, la morte del poliziotto o del tifoso, lo sgombero violento) per fare un qualcosa che alla fine è sempre un niente. Cosa resta? Resta chi, preso dall'esasperazione e dall'ignoranza, inizia a farsi giustizia da sé, la conseguenza più aberrante per un paese che si vuole democratico e per uno stato di diritto.

Il film sembra quasi un thriller dato il carico di tensione che lo pervade dall'inizio alla fine, anche se l'intrigo manca. Il cast è stellare e diretto perfettamente. Favino si conferma una volta e di più il migliore attore della sua generazione. Marco Giallini, a breve anche nel film di Carlo Verdone, è eccezionale. Filippo Nigro, Domenico Diele e Andrea Sartoretti non deludono.

Grafici "Immaturi"

2012-01-24T08:19:00.000-08:00

Sogno o son desta? Se due persone si abbracciano, dovremmo avere un totale di quattro mani. Qui invece Raul Bova e Luisa Ranieri, tra i protagonisti di "Immaturi - Il viaggio" ne mostrano ben cinque. Esagerati.

Benvenuti al nord

2012-01-19T08:57:00.000-08:00

Se confronto deve essere, confronto sia! E chiariamo da subito: "Benvenuti al nord" non regge il paragone con il suo predecessore, "Benvenuti al sud" nonostante tutti i buoni propositi di regista e cast. Il remake del francese "Giù al nord" riprendeva per filo e per segno la sceneggiatura del film originale, immergendola (bene) nella realtà italiana. Operazione questa che ha fatto storcere il naso a qualcuno, ma che ha incontrato i larghi favori del pubblico. I luoghi comuni sugli italiani si sono sprecati, ma la confezione ha tenuto bene, il film era divertente e piacevole e miscelava in modo equilibrato risate e un pizzico di poesia. Il comune di Castellabate ha ringraziato e con esso un po' tutto il sud.

Il sequel non riesce nella stessa impresa, anche se nel primo giorno di programmazione ha fatto registrare un ottimo inizio. Stavolta è Alessandro Siani a fare il viaggio in senso inverso. Dal suo ridente paesino, sbarca a Milano per dimostrare alla moglie di essere capace di prendersi le proprie responsabilità.

Ad accoglierlo c'è Claudio Bisio, ormai quotato dirigente di Poste italiane, stressato dal super lavoro e in crisi con la moglie.

Spuntano per forza di cose i luoghi comuni ( e le verità) su Milano e sul nord. Siani viene spiazzato dal numero infinito di modalità con cui al bar possono preparare il caffè. Al momento di decidere quando organizzare una piacevole cena tra colleghi, tutti agguantano cellulari e agende come armi, per pianificare il tutto. Sul lavoro si cerca di ottimizzare il tempo al punto tale da cronometrare la permanenza alle toilette. Come contraltare le strade sono pulite, ci sono le tassiste donne e, che sorpresa, se stramazzi a terra si precipitano a vedere come stai. E te lo chiedono con l'accento varesino e non di certo siciliano.

Fin qui, andrebbe anche bene. Il problema è che i vari pezzi della trama sono appiccati l'uno all'altro con eccessiva scioltezza e senza una fluidità di racconto. Il film non scorre e risulta essere un insieme di "trovate" legate l'una con l'altra grazie alle gag di Siani e alle smorfie di Bisio. Ci sono momenti esilaranti (i miei preferiti: l'incontro con il mastino napoletano, le scelte dei nomi dei figli, la cena di "benvenuto" al neo immigrato), per il resto si ride meno rispetto al precedente film. Inoltre se "Benvenuti al sud" aveva avuto il merito da un lato di tratteggiare nuovi personaggi e renderli macchiette riconoscibili (ricordiamoci di Scapece) e dall'altro di lanciare una serie di tormentoni e di scene diventate cult ("jamme jà" con relativo lancio del sacchetto), qui viene invece a mancare questa freschezza e l'operazione non può che essere etichettata come il tentativo di rifare cassa sulla scia del successo precedente. Il film così non rende effettiva giustizia a Milano, di cui avrebbe potuto cogliere aspetti anche più sorprendenti e piacevoli.

Continua al Pan la Storia permanente del cinema

2012-01-18T13:13:00.000-08:00

Con oltre cento nuove proiezioni, la “Storia permanente del cinema”, la rassegna organizzata al Palazzo delle Arti di Napoli, arriva al suo secondo trimestre di programmazione. Il nuovo ciclo di film è ancora più nutrito e complesso. Ai tre appuntamenti (“i classici del cinema”, selezionati da Marcello Sannino; “i temi”, a cura della Scuola di cinema Pigrecoemme; “ipotesi di percorsi e particolarità della Settima arte”, a cura della Mediateca Santa Sofia), si aggiunge, il giovedì, una nuova sezione libera di spaziare tra i generi, le ipotesi comparative e le retrospettive dedicate ai registi.

Si parte con uno sguardo su alcuni capisaldi del noir americano degli anni Quaranta, a cura di FilmOff; si continua poi con i giovedì dedicati a due registi: Robert Bresson e John Cassavetes (tre film ripetuti per due giovedì, in ordine inverso); e sarà poi la volta di “Rock around the screen. Storie di cinema e musica pop”, a cura di Diego Del Pozzo e Vincenzo Esposito, che, partendo dall’omonimo libro (Liguori editore), ci accompagnerà in una curiosa ed entusiasmante investigazione dei connubi tra cinema e popular music.

A fine marzo sarà proiettato “ZAUM - andare a parare”, a cura di Enrico Ghezzi e della redazione di Fuori Orario, i quali interverranno, il 22 marzo, introdotti da Alberto Castellano.

Pan - Palazzo delle Arti di Napoli

via dei mille 60, napolitel. +39.081.7958604-05fax. +39.081.7958660info@palazzoartinapoli.netwww.palazzoartinapoli.net

QUI il programma.

Su My Movies in programma 26 film inediti in Italia

2012-01-17T09:35:00.000-08:00

La stagione cinematografica italiana si arricchisce di nuovi titoli: a partire dal 23 gennaio, tutte le sere alle 21.30 per 365 giorni all’anno, MYmovies.it distribuirà su MYMOVIESLIVE! – raggiungibile all’indirizzo www.mymovies.it/live - una selezione di 26 film inediti in Italia presentati nei maggiori festival internazionali.

La piattaforma MYMOVIESLIVE!, nata per lo streaming di film in anteprima, fa il suo debutto il 15 febbraio 2010 con La bocca del lupo di Pietro Marcello: per la prima volta in assoluto un film viene reso disponibile suInternet prima che al cinema.

Dopo due anni di esperienza, MYMOVIESLIVE! fa un ulteriore passo avanti ampliando il panorama dell’offerta cinematografica italiana e, oltre alle classiche anteprime web, distribuirà 26 film che non avrebbero seguito il tradizionale passaggio nelle sale cinematografiche nonostante gli importanti riconoscimenti internazionali durante festival e rassegne.

Selezionato da Mario Sesti per l’ultima edizione del Festival del Film di Roma, "Bobby Fischer Against the World" di Liz Garbus, in collaborazione con Feltrinelli Real Cinema, è il primo film in programma su MYMOVIESLIVE!, tutte le sere da lunedì 23 gennaio a domenica 5 febbraio.

Tra gli altri titoli che verranno presentati nel 2012 "Project Nim" del premio Oscar James Marsh, "I Don’t Want to Sleep" Alone di Tsai Ming-liang e "Mother of Rock" di Paul Clarke.Ogni film avrà una programmazione esclusiva di due settimane con uno spettacolo unico alle 21:30. Tutti gli spettatori potranno commentare il film con gli altri presenti in sala e attraverso Facebook.

Grazie alla tecnologia streaming multibitrate, la piattaforma permette l’accesso all’esclusiva platea LIVE!THEATRE da qualunque zona d’Italia con una connessione Internet minima di 350Kbps. Per i più attrezzati e tecnologici, invece, la qualità di streaming raggiunge una trasmissione fino a 5000kbps in formato HD (1280x720).

Per accedere a MYMOVIESLIVE! sarà necessaria la sottoscrizione di un abbonamento mensile di 3,99€, che permetterà l’accesso illimitato all’esclusiva platea LIVE!THEATRE e al cinema in due al prezzo di uno dal lunedì al giovedì nelle sale convenzionate 2per1 Cine.Club®.

Per ventisei spettatori, con MYMOVIESLIVE! EXPERIENCE l’esperienza cinema sarà ancora più coinvolgente: grazie alla partnership con EPSON, in collaborazione con Nastro Azzurro e IBS.it, MYmovies.it invierà gratis ai fortunati partecipanti un videoproiettore Epson in comodato d’uso, due birre Nastro Azzurro e un DVD da IBS.it per offrire l’esperienza unica di vivere e condividere una serata di grande cinema online.

È possibile accedere alla nuova piattaforma MYMOVIESLIVE! collegandosi all’indirizzo: www.mymovies.it/live. Tutti i partecipanti avranno diritto a un periodo di prova gratuito di quindici giorni.

A Berlino immagini per Brecht

2012-01-16T02:08:00.000-08:00

"Norme per la rivoluzione", su alcune tematiche del Fatzer di Brecht è una rassegna di cortometraggi

organizzata dal Museo Nazionale del Cinema, dal Teatro Stabile Torino e Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz "Fatzer geht über die Alpen", promossa dal "Fonds Wanderlust" della Fondazione Culturale Federale, in collaborazione con il Goethe-Institut Turin che si terrà a Berlino il 21 gennaio.

I dodici cortometraggi italiani che compongono questa breve rassegna, curata da Bruno Di Marino, tentano di illustrare alcune tematiche espresse dal testo teatrale di Brecht in modo dichiaratamente arbitrario. Si tratta di lavori sperimentali, senza parole, alcuni di carattere performativo, altri con riferimenti al teatro come forma espressiva o come luogo fisico, realizzati da fimmaker, videomaker o artisti visivi che adoperano da sempre il medium video nella loro ricerca.

Cinque film sono stati prodotti appositamente per l’occasione e sono ispirati ad alcuni passi del Fatzer, anche se non possiamo neppure considerarli una libera rilettura; la pièce incompiuta è solo un punto di partenza, un nucleo di ispirazione. Il teatro (La ragazza dello Spielplatz), il conflitto (Senza foce, Not With a Bang, Blood), l’isolamento e l’attesa (Still, D Giò), il rapporto individuo/massa (80 kg), l’utopia della rivoluzione collettiva o individuale e il crollo delle ideologie (Il giardino dell’Eden, Riot begins with a walk, Fine, Inaudible Fragment). Il carattere di “irrapresentabilità” del testo brechtiano si riflette, in questa selezione, nell’impossibilità di tradurlo mediante immagini in movimento.

Schede dei film

"D Giò" di Matilde De Feo, 2011, 13’ Giò è un uomo sulla sessantina in evidente stato di isolamento. Soffre di alessitimia, e come tale è incapace di mentalizzare e descrivere a parole il proprio vissuto, versa nel silenzio assoluto.

"La ragazza dello Spielplatz" di Elena Bellantoni, 2011, 7’30” Esiste un posto della memoria – dei ricordi infantili – questo luogo è per l’artista lo Spielplatz, in tedesco letteralmente “parco giochi”, ma in questo caso riferito allo spazio del teatro, ovvero della rappresentazione, che l’artista percorre, segna, rimappa, quasi fosse uno elemento vivo.

"Not with a Bang" di Alessandro Amaducci, 2008, 5’Un fantasma combatte le sue memorie. Il video fa parte della serie Electric Self che include lavori commentati da brani musicali realizzati dall’autore.

"Senza foce" di Cristiano Carloni e Stefano Franceschetti, 1998, 2’30”La materia elettronica del video genera similitudini fra le gocce e gli individui nei flussi incessanti dei liquidi e delle migrazioni dei popoli. L’immagine – alterata e sommersa tra i canali dell’informazione – non riflette più la coscienza di una identità.

"Blood" di Francesca Fini, 2011, 5’20”E’ il racconto di una lotta. Una lotta che conduco chiusa in una prigione trasparente dove uccido me stessa poco alla volta, intrappolata in una perfetta e macabra solitudine. Mi accompagnano i mostri di un tempo che non c'è più; pallidi vampiri che prendono vita dal mio sangue che tinge la parete/schermo che mi separa dalla realtà.

"Still" di Elisabetta Di Sopra, 2008, 2’ Still è una pausa, uno stato di sospensione che può durare un’eternità. Come le onde del mare, il tempo futuro e quello passato si rincorrono, si riavvolgono, si ripetono all’infinito.

"80 kg" di Antonello Matarazzo, 2012, 6’ Un morto = 80 chili di carne fredda, 4 secchi d’acqua, 1 sacchetto di sale.

"Il giardino dell’Eden" di Franco Losvizzero, 2011, 11’ Il congilio bianco e la regina Mab sono le protagoniste di una performance, allegoria di una rivoluzione mistica, di un passaggio epocale dall’età del ferro all’età dell’oro. Una performance che si è svolta in una data alchemica: l’11 novembre del 2011 alle ore 11. La durata del video è, naturalmente, di 11 minuti e 11 secondi circa.

"Riot Begins with a Walk" di Valentina Dell’Aquila, 2012, 5’ Un'azione rivoluzionaria può essere il semplice passeggiare, in città, a cielo aperto. Anche il cuore si atrofizza a forza di nascondersi, secondo Heiner Muller. La passeggiata assume così significato di affermazione dell'individuo, facendosi vera e propria antitesi dell'ideologia del Gruppo. Ma il Gruppo è un UNO più forte dell'individuo.

"Inaudible Fragment" di Danilo Torre, 2012, 5’ Quando nel Fatzer si incontrano Nietzsche e Marx, lo stridore delle ideologie che collassano si trasforma in un rumore assordante e capiamo anche che tutta la storia del secondo '900 era scritta.

"Fine" di Virgilio Villoresi, 2012, 1’15” Fine è un video d'animazione girato in stop motion che ha come tematica centrale la rivoluzione. E' una grande allegoria della società contemporanea, vista con un taglio ironico e pungente, che nel finale approda a una dimensione apocalittica.

Shame

2012-01-15T01:53:00.000-08:00

Brandon ha all'apparenza tutto quello che un uomo della sua età può desiderare. Trentenne di piacevole aspetto, ha successo con le donne, un ottimo lavoro, una bella casa ed è ben voluto dai colleghi. Dietro però l'immagine dell'uomo realizzato, si nascondono ossessioni che rendono la vita di Brandon, interpretato dal bravissimo Michael Fassbender, un vero e proprio inferno. Brandon è malato, dipende dal sesso in maniera distruttiva, soffocante, vergognosa, come appunto suggerisce il titolo. Non c'è nulla di piacevole in quello che fa e come lo fa. Si avvicina a una donna solo per dare pace all'ossessione che lo tormenta senza mai riuscire a coniugare il piacere con l'interesse alla persona stessa, l'attrazione con un minimo di affetto. Nel suo mondo intimo, circolano prostitute, film porno e ragazze in webcam. Se l'amore non è mercenario, è un episodio una tantum. Insomma, un disastro. Un giorno arriva nel suo asettico appartamento newyorchese la sorella Sissi (Carey Mulligan). Vive alla giornata, canta nei night club, ha un presente (ed un passato) fragile, con molteplici tentativi di suicidio. Il rapporto che li lega è rabbioso e sofferente. Si legge tra le righe una storia familiare che li ha marcati a vita, ma non si saprà mai quale sia stato il trauma.

Il film è girato magnificamente bene. Il regista, Steve Mc Queen, viene dalla video art e si vede. L'estetica infatti è ineccepibile e come il suo stile, elegante, e le sue scelte di regia (che dire della scena in cui Sissi canta una struggente "New York, New York" e quella del ristorante). Il contrasto inoltre che si crea tra il mondo "cool" inquadrato da Mc Queen (interni essenziali, design pulito, donne e uomini belli, vincenti, in gamba, e la mitica città che non dorme mai) e l'inferno mentale e vitale del protagonista stordisce e il modo in cui il regista lo racconta è senza dubbio interessante. Purtroppo Mc Queen paga un dazio di troppo all'estetica del suo film, non facendo respirare abbastanza la storia. Perché Brandon è malato? Cosa ha vissuto in passato? Sono domande che non avranno risposte. Può essere una scelta non raccontare, descrivere, spifferare troppo. Ma in questo caso sembra un quesito inevaso, più che una ponderata scelta di sceneggiatura. A soffrirne è proprio l'insieme del personaggio di Fassbender, caricato di un vuoto esistenziale a cui non riusciamo a dare maggiore spessore. Ed è un peccato perché è come non rendere giustizia alla completezza del suo carattere, nonostante Fassbender dia grande prova di sè. Nelle interviste il regista ha parlato di un film "politico-emotivo": la troppa libertà che viviamo nella nostra società ci rende in qualche modo comunque prigionieri. Di cosa? Delle "dipendenze". Brandon è malato di sesso, ma potrebbe essere drogato, alcolizzato, bulimico, fissato con il fitness. Questo mondo competitivo e spietato miete vittime che soffrono chiusi nelle stanze mentali delle loro ossessioni, mentre in pubblico si presentano perfetti. Mc Queen condensa tutto ciò nel suo protagonista, estremizzando all'eccesso la sua condizione. Da qui ognuno può cogliere il senso che preferisce. Ma, sicuramente, non vi lascerà indifferenti.

ps. "Shame" è un film forte. Non direi "scandalo" perché ci si può imbattere in immagini anche più scabrose. Se lo andrete a vedere, scegliete giorni e orari non, mi dispiace dirlo, di "massa". C'è gente (uomini e donne di una certa età, professionisti, studenti, gente fatta e finita insomma) che davanti al "ritratto" della nudità maschile, fa ancora commentini da educandi o da bimbi delle medie... O, ancora, si alza e va via.

E questo la dice lunga su quanto abbia centrato la questione il buon Mc Queen...

L'era legale

2012-01-13T06:37:00.000-08:00

Una Napoli pulita, produttiva e soprattutto "legale". Un sogno? Sicuramente. Un'utopia? Speriamo di no. Per ora, tuttavia, è il "finale" (lo possiamo svelare) di un film. Con "L'era legale" il napoletano trapiantato a Roma Enrico Caria prova a immaginare come potrebbe essere una delle città più controverse del mondo se fossero attuate politiche a dir poco rivoluzionarie. Per esempio? Legalizzare le droghe. Tutte. Così da sottrarre alla criminalità organizzata la fonte del suoi maggiori guadagni. Artefice dell'impresa un buffo sindaco dalle origini umili che riuscirà a farsi strada smascherando la "casta" e con l'aiuto di un generoso imprenditore.

Il regista sceglie un genere particolare per raccontare le vicissitudini di Nicolino Amore (il primo cittadino interpretato da Patrizio Rispo), più che quelle della città. Il film infatti è un mockumentary, ovvero un finto documentario. Le gesta dell'eroico sindaco sono ovviamente tutte frutto di fantasia, ma il modo di raccontarle è sulla falsa riga di un documentario, con il vivace mix di realtà, fiction e interviste a diversi personaggi, da Marcelle Padovani (giornalista de "Le Nouvel Observateur") al Procuratore nazionale antimafia Pietro Grasso, dagli scrittori Carlo Lucarelli e Giancarlo De Cataldo al politico Fabio Granata. L'idea è convincente e il film è condito con svariate gag che strappano più di un sorriso. Forse però la sceneggiatura non è perfettamente oliata e avanza a tratti in modo macchinoso.

L'elemento che emerge è proprio la scelta del genere del "finto documentario" che in effetti conferisce un quid pluris al film e in un certo senso permette di descrivere e raccontare abbastanza bene la condizione e le aspirazioni di una città, sempre abbastanza sballottata tra realtà al limite della ragione, cronaca feroce e un'umanità splendida ma a volte troppo passiva. Andando oltre l'approccio documentaristico, Caria ha voluto avvolgere la realtà con una dimensione favolistica (la voce narrante ricorda a tratti quella de "Il meraviglio mondo di Amélie) e così offre un ulteriore modo per interpretarla e per confrontarsi con essa.

My French Film Festival, il giovane cinema francese online

2012-01-11T13:35:00.000-08:00

Una notizia che non lascerà indifferenti cinefili, amanti della Francia e appassionati di web e social network. Venerdì 12 gennaio prende il via la seconda edizione del My French Film Festival, tre settimane dedicate al giovane cinema francese, con concorsi di lungometraggi e cortometraggi. La particolarità? Tutto il festival è online, i film si possono vedere su internet (gratis o a pagamento a seconda dei paesi. Sotto elenchiamo tutte lo modalità) e una delle tre giurie è formata proprio da semplici navigatori del web. L'idea, a mio avviso intelligente e lungimirante, è di promuovere il cinema transalpino degli ultimi anni, con la possibilità per i film vincitori del festival di essere proiettati a bordo dei voli Air France in tutto il mondo.

In Italia i film saranno visibili gratuitamente a partire da venerdì (e fino al 1° Febbraio) grazie ad una partnership privata. Basta andare sul sito www.myfrenchfilmfestival.com e selezionare la lingua.

Dieci lungometraggi e dieci cortometraggi diretti da giovani registi francesi compongono la selezione ufficiale. Gli utenti sono invitati a valutare tutti i film e a pubblicare i commenti sul sito. I film che otterranno la migliore valutazione saranno premiati e proiettati a bordo di tutti gli aerei Air France. La selezione include anche, fuori concorso, un film del patrimonio, un cortometraggio e un lungometraggio canadesi in lingua francese.

Il festival è disponibile in 14 lingue. Al termine del festival saranno assegnati sei premi (tre per i lungometraggi, tre per i cortometraggi) : il Premio degli internauti, il Premio delle reti sociali (presenti alcuni blogger italiani) e il Premio della stampa internazionale (il giurato italiano è Gloria Satta de "Il Messaggero").

Sul sito trovate titoli e schede di tutti i film selezionati per il festival.

Vive le cinéma!

Capodanno, Audrey ci ispira!

2011-12-30T03:25:00.000-08:00

"Audrey 100" (edizioni Rizzoli) è una carrellata di immagini splendide della Hepburn, a cura di Ellen Fontana. Un attento Babbo Natale ce lo ha lasciato sotto l'albero quest'anno.

Lo stiamo sfogliando per cercare ispirazioni per il Capodanno alle porte...

Intanto, buon anno a tutti!

Sherlock Holmes - Gioco di ombre

2011-12-29T15:12:00.000-08:00

Il secondo episodio della saga dedicata a Sherlock Holmes, ha vinto, in Italia, la sfida ai botteghini natalizi. Guy Ritchie, qui come negli Stati Uniti e nel mondo, sta incontrando ancora una volta il favore del pubblico grazie all'intuizione di riportare sul grande schermo in modo "nuovo" l'investigatore più noto di tutti i tempi, colui che dell'uso sapiente di logica e spirito di osservazione ha fatto un tratto più che distintivo. "Sherlock Holmes - Gioco di ombre" è senza dubbio un bel giocattolone, ben confezionato, un ottimo prodotto di puro entertainment. Molto della simpatia dell'intera operazione credo si debba al protagonista, il ritrovato Robert Downey Jr., che tanto piace alle signore e che incontra i sorrisi anche dei signori, con quel suo passato burrascoso pieno di "errori" che lo rendono più umano che divo. L'attore americano infatti funziona benissimo nel ruolo del detective di fine Ottocento. Lo riesce a modernizzare senza però sconvolgere totalmente il personaggio che negli anni si è imposto nell'immaginario collettivo. E poi è bravo, autoironico, con una giusta dose di "faccia da schiaffi". Con lui c'è Jude Law che incarna il fedele assistente, il dottor Watson. In questo secondo episodio Ritchie si diverte a sviscerare ancora di più il tipo di rapporto che lega i due personaggi: una solida amicizia, quasi morbosa, che sfocia in un'insopportabile necessità di lavorare insieme. Si detestano, ma non possono l'uno fare a meno dell'altro: quasi una storia d'amore, con tanto di gelosie e ripicche, a cui il regista allude non velatamente quando uno prova a picchiare l'altro in una sequenza di movimenti che potrebbero far pensare a tutt'altro.

Per il resto il film si profila più come una pellicola d'azione che un giallo e questo deve essere il tratto distintivo che ha voluto imprimere il regista. Alcune sequenze sono senza dubbio spettacolari, ma quei continui flashforward e il montaggio che Ritchie si porta dietro fin dai suoi primi film, appesantiscono e non per forza migliorano la tenuta generale della pellicola.

The Artist, i cineconcerti in tutto il mondo

2011-12-29T13:30:00.000-08:00

Il cammino sorprendente di "The artist" non finisce. Pare che si stia progettando una tournée di cine-concerti intorno al mondo per promuovere la pellicola. Lo leggo sul sito francese "Comme au cinéma". La formula dovrebbe essere quella antica, tipica dell'epoca del muto: la proiezione del film si accompagnerebbe all'esibizione dal vivo di un'orchestra che andrebbe a eseguire la colonna sonora del film, firmata da Ludovic Bource. Il sito cita The Hollywood Reporter che a sua volta menziona città come Ginevra, Parigi, Bruxelles, Londra ma anche New York o Los Angeles come tappe del tour. L'Australia anche sarebbe nei progetti della Weinstein Company, la società distributrice del film.

Bource ha dichiarato di aver rinunciato a tre progetti di lavoro per consacrarsi alla futura tournée di "The artist" che permetterebbe di promuovere la pellicola nel periodo clou a ridosso della 84ma cerimonia degli Oscar. I prossimi test di "gradimento" sono tuttavia i Golden Globe che si terranno il 15 gennaio. Il film di Michel Hazanivicious è candidato a sei premi, tra cui miglior commedia-musical, attore protagonista, attrice non protagonista, regia e migliore colonna sonora chiaramente.

The Artist

2011-12-29T03:12:00.000-08:00

Sa dell'incredibile decidere di girare un film muto e in bianco e nero del 2011. Eppure c'è chi come Michel Hazanivicious (tra i film precedenti "Oss 117" commedia sulle gesta di Hubert Bonisseur de la Bath, fantomatica "miglior spia francese") ha pensato di farlo. Anacronistico? Geniale? Folle? Indubbiamente spiazzante, ma piacevolmente spiazzante. "The artist" è un bellissimo film. Racconta il cinema in un momento delicato della sua storia: il passaggio dal muto al sonoro. Siamo a cavallo degli anni Trenta, in piena crisi economica mondiale. George Valentin (il bravo Jean Dujardin, che metamorfosi da quando recitava nella sitcom "Un gars, une fille", la versione francese di "Love Bugs"), divo del cinema muto, non intuisce il potenziale del sonoro nei film e rimane fuori dalla rivoluzione tecnologica che cambierà la Settima arte. Alla sua discesa negli inferi, che culminerà in vere e proprie fiamme, fa da contraltare il sogno di Peppy Miller che da ultima ballerina nei titoli di coda, esplode come stella del cinema. La trama ricorda a tratti "Cantando sotto la pioggia" (altro film che affronta lo storico passaggio al sonoro) e "Viale del tramonto" (per il richiamo al declino di una star del cinema), ma ha comunque una sua identità.

Le vite dei due protagonisti si intrecciano in questo passaggio di epoca che molto sembra volerci dire dei nostri tempi. O almeno è così che l'ho inteso. La crisi economica e le incertezze sul futuro accomunano le due epoche, così come le novità tecnologiche nel cinema. Allora il passaggio al sonoro, oggi l'avvento del 3D che ha, si, riportato più persone nelle sale, ma che ancora deve fare la differenza. Tuttavia lo sconvolgimento c'è ed è un fatto che ci si interroghi sulle potenzialità espressive ulteriori che lo strumento comporta e comporterà. Volgere quindi lo sguardo verso il passato può essere un modo per parlare del presente? Forse c'è anche questo nelle intenzioni del regista che ha girato il film come un vero e proprio muto, con tanto di didascalie che aiutano il pubblico a capire i "dialoghi" tra i personaggi. Le trovate di messa in scena non mancano. L'assenza di sonoro e l'accompagnamento musicale possono all'inizio destabilizzare lo spettatore disabituato a non sentire rumori, voci, effetti nel corso di una proiezione. Poi però ci si abbandona con grande facilità alla storia raccontata con le sole immagini in movimento e qui si realizza la magia dell'opera stessa e del cinema di conseguenza cosa che, chissà, in questi tempi di bombardamento visivo disordinato, eccessivo e quasi mai eccelso, fa bene. Hazanivicious usa gli "stratagemmi" classici per attrarre l'occhio dello spettatore, costruendo con coscienza l''inquadratura, prestando attenzione notevole al lavoro di montaggio (non a caso è tra i montatori del film), dirigendo un ottimo cast. La recitazione è, in particolare, asciutta ma intensa. Non ci sono moine o smorfie di troppo, ma un solido lavoro di costruzione dei personaggi. E non è poco. Senza dialoghi e suoni, sarebbe stato facile scadere in stili di recitazione al limite della macchietta. Ma questo non avviene e si spiega il meritato successo che sta investendo tanto Dujardin (premiato all'ultimo Festival di Cannes) quanto la splendida Bérénice Béjo.

C'è poi un cagnolino che vi farà impazzire.

ps. Le sale a Napoli che proiettano "The artist" sono tre. L'ho visto nella più piccola delle sale di un multisala, circa 25 posti e uno schermo piuttosto piccolo...un peccato per un film che fa delle immagini la sua forza.

I Cinestruffoli/5. "Ricomincio da tre"

2011-12-25T00:54:00.000-08:00

Il Cinestruffolo del 25 dicembre non poteva che essere "Ricomincio da tre", me lo avete richiesto in tanti. E torna così tra i nostri film natalizi il "nostro" Massimo Troisi. Capolavoro, cult, geniale, divertente, poetico: si possono dare mille definizioni all'esordio dietro la macchina da presa dell'attore di San Giorgio a Cremano. Quello che è certo è che rimane uno dei film ideali da vedere nel pomeriggio del 25 dicembre, "ricominciando" a ridere alle battute storiche e sfidando parenti e amici a chi ne ricorda di più.

Tra le tante, la vostra scena preferita?

I Cinestruffoli/4. "I Goonies" e "Profumo di donna"

2011-12-23T18:14:00.000-08:00

I Cinestruffoli di oggi ce li suggerisce l'amico Alessandro Chetta, firma del Corriere del Mezzogiorno e soprattutto grande cinefilo. I film di Natale che ci propone sono ancora una volta due grandi cult senza tempo, opere ormai scolpite nell'immaginario collettivo. Hanno però caratteristiche diverse rispetto ai primi tre Cinestruffoli.

Il primo è uno dei film da vedere a Natale per eccellenza, soprattutto per una certa generazione che va dai nati negli anni Settanta ai nati nei primi anni Ottanta. Non si tratta di una commedia, ma di un film di pura, mirabolante e sognata avventura. Chi non ha desiderato almeno una volta vivere le peripezie de "I Goonies"? Un gruppo di ragazzini si mette alla ricerca di un tesoro nascosto nella speranza di salvare il quartiere dove vive, dallo sfratto imposto dai ricchi proprietari. Scrive Mereghetti: "Bella favola chiassosa e con qualche brivido per i minori di 14 anni, sceneggiata da Chris Columbus e tratta da una storia di Steven Spielberg che ha più di una somiglianza con Mama's Little Pirate, comunque divertente e godibile".

Con il secondo Cinestruffolo di oggi, si va verso un altro genere ancora.

L'avventura è alle spalle e si ritorna verso la commedia, ma sfumata nel malinconico. Regista di nuovo (come per "Operazione San Gennaro)) Dino Risi e l'ambientazione torna a Napoli. Parliamo di "Profumo di donna" e del tanto amato Vittorio Gassman, ovvero il capitano Fausto Consolo che, cieco dopo un incidente, nasconde il proprio dolore dietro la maschera del cinico donnaiolo che rifiuta la pietà altrui. Il film è del 1974. Nel '92 c'è il remake americano con Al Pacino.

I Cinestruffoli/3. "No grazie, il caffè mi rende nervoso"

2011-12-22T00:48:00.000-08:00

Nella ricerca degli immancabili film natalizi, vari amici mi stanno dando i loro suggerimenti. Sta prendendo forma sempre di più la fisionomia del Cinestruffolo. Per ora si tratta di commedie, di ambientazione napoletana (elemento questo che, a mio avviso, potrebbe variare), portatrici di una comicità che resta negli anni. Il Cinestruffolo si continua a gustare e continua a far ridere anche ad anni di distanza. Non è quindi un prodotto commerciale, nel senso di opera concepita, realizzata e distribuita solo per soddisfare una momentanea fame di risate e leggerezza. Il Cinestruffolo dice qualcosa in più, prova ad essere anche poetico nel suo affrontare la realtà a suon di battute e siparietti divertenti.

Veniamo al Cinestruffolo di oggi (in realtà di ieri...). Lo suggerisce Paolo Sindaco Russo che ha scelto "No grazie, il caffè mi rende nervoso"di Lodovico Gasparini, 1982, con Massimo Troisi e Lello Arena.Gli organizzatori del "Primo festival nuova Napoli" tremano: le minacce d'un maniaco omicida, sedicente Funiculì Funiculà, si tramutano più volte in cruente realtà, finché qualcuno, posto sulle sue tracce e spalleggiato dalle forze dell'ordine, riuscirà a fermarlo inchiodandolo di fronte alle sue demenziali responsabilità. Musiche di James Senese.

I Cinestruffoli/2. "Operazione San Gennaro"

2011-12-20T09:56:00.000-08:00

Ci eravamo lasciati con un interrogativo: con qualche (lieve) ritocco alla formula degli ultimi anni, il Cinepanettone sarà tornato a sbancare il botteghino? A quanto pare no. L'incasso del primo weekend di programmazione di "Natale a Cortina" è stato inferiore a quelli delle scorse stagioni e si parla inevitabilmente di flop. Qui vi proponiamo un pezzo di My Movies a firma di Robert Bernocchi che analizza da vicino il fenomeno del film di Natale in evidente piena crisi.

Intanto noi torniamo, e con soddisfazione, ai nostri Cinestruffoli.

Il titolo di oggi è "Operazione San Gennaro", caldamente consigliato dal nostro amico, tecnico audio, montatore, regista, direttoredicorogospel Giorgio Molfini.

La commedia diretta da Dino Risi, con un eccezionale Nino Manfredi, può in effetti rientrare a pieno nella categoria dei film che piacevolmente si guardano a casa durante le festività. Il caso vuole che siamo, dopo "Così parlò Bellavista", ancora una volta a Napoli (in una Napoli che fu?). Si gioca con gli stereotipi partenopei (l'arte di arrangiarsi, la "furbizia", l'impianto malavitoso) mettendoli a confronto con l'affarismo a stelle e strisce. In ballo c'è il prezioso tesoro di San Gennaro, un patrimonio inestimabile accumulatosi durante i secoli grazie alle generose offerte di re, capi di stato e semplici fedeli. Un piatto appetibile per i ladruncoli americani che però dovranno fare i conti con la devozione del popolo napoletano . Il tesoro che ammonta a quasi 22.000 pezzi vanta infatti un primato su tutti: è più prezioso di quello dei reali d’Inghilterra. Inoltre, per merito dell’antica istituzione della Deputazione della Real Cappella di San Gennaro è l’unico tesoro al mondo rimasto intatto, non avendo mai subito spoliazioni, né finanziato guerre, né subito furti.

I Cinestruffoli/1. "Così parlò Bellavista"

2011-12-18T09:57:00.000-08:00

In questo weekend prenatalizio, è uscito l'ultimo Cinepanettone targato Aurelio de Laurentiis. Dopo anni di dominio incontrastato sul box office italiano, da qualche tempo la ricetta del film di Natale non funziona più. Il pubblico vuole sempre ridere ma ha ormai voltato lo sguardo verso la comicità proposta dalla Medusa con i film di Checco Zalone e con la fortunata intuizione con "Benvenuti al sud" di adattare in Italia il francese "Giù al nord". E così quest'anno la Filmauro riprova a corteggiare il pubblico facendo tornare la memoria alle prime vacanze di Natale di De Sica e compagni. Destinazione allora, ancora una volta, Cortina. E vedremo come risponderà il box office.

Ma se si dovesse stilare una classifica dei più amati Cinepanettoni, quali vincerebbero? Quali sono i film che a Natale, tra tombole, riunioni di famiglia, pasti infiniti, non si possono non vedere? Giorno per giorno ecco i nostri consigli per un Cinepanettone casalingo. Anzi per un Cinestruffolo.

I Cinestruffoli/1. "Così parlò Bellavista" di Luciano De Crescenzo 1984.

Forse il film che meglio racconta vizi e virtù del popolo napoletano. Un cult che continua a strappare risate dopo anni dall'uscita. Le battute sono ormai entrate nel linguaggio comune, almeno da queste parti. "Così parlà Bellavista..." è Cassazione!

Il pranzo di Natale, la recensione

2011-12-16T07:20:00.000-08:00

Credo non esista altra festività durante l'anno così sentita come il Natale. Le motivazioni possono essere tante: fede, riposo, divertimento, consumismo anche. La cosa certa è che mai come in questo periodo le singole individualità che compongono la società si muovono tutte all'unisono verso la realizzazione di un rito collettivo e partecipato. Ci sono le partite di calcio, è vero, ma non sono (ancora) feste comandate. Intanto c'è l'evento Natale. Le strade si riempiono di persone in preda alla frenesia da acquisti (magari quest'anno sarà più un passeggiare che un comprare per via della crisi). La spesa diventa omologata: panettoni, pandori e quant'altro. Le comunicazioni vanno in tilt con milioni di auguri che si rincorrono per il paese e all'estero. Tutto per arrivare ad una fatidica cena e a un fatidico pranzo in cui, nella maggioranza dei casi, si ritrovano i propri cari. Antonietta De Lillo ha voluto rendere l'idea di questo incredibile rito collettivo producendo un film "partecipato": non una sola testa, non un solo sguardo, ma centinaia di input che arrivano da professionisti dell'audiovisivo e non. La regista napoletana ha infatti raccolto cortometraggi e filmini amatoriali per raccontare in questa condivisione creativa e con linguaggi espressivi diversi i giorni delle festività natalizie. Il risultato è di grande interesse. E, personalmente, commovente. "Il pranzo di Natale" è più di un documentario. Sembra quasi un diario intimo della società, delle città, delle strade in cui viviamo. Questo forse perchè ci sono pochi "filtri" tra telecamera e materia prima da filmare. Si va nelle stazioni, sui treni dei pendolari, si intervistano i ragazzi che vivono con la valigia sempre pronta, con gli affetti al sud e il lavoro al nord. Si riprendono gli auguri 2.0, quelli fatti su migliaia di chilometri di distanza tramite Skype, con i nonni che vedono i nipotini crescere dall'altra parte del pianeta. Si va nelle case degli italiani: mentre si cucina e si scartano i regali. Poi i Natali "diversi": Don Ciotti con il procuratore capo di Torino Giancarlo Caselli e Carlo Pertini di Slowfood cucinano per "Libera", la Galleria Principe di Napoli location di un affollato pranzo di solidarietà, le carceri femminili, il digiuno degli operatori sociali. Tutto racconta della condizione del paese, con un tuffo profondo nella realtà resa ancora più veritiera dal trapelare di un sentimento, appunto, collettivo di condivisione.

Dall’08 dicembre “Il pranzo di Natale” è disponibile on-line. Giornio per giorno, seguendo il Calendario dell’Avvento, la Marechiarofilm diffonde in rete i vari corti e contributi che hanno partecipato al progetto. Dal 25 dicembre in poi, invece, il film completo sarà disponibile in streaming gratuito.

Avvento 1 from marechiarofilm on Vimeo.

Cinema a Ravello

2011-12-15T04:19:00.000-08:00

Partirà il 17 dicembre fino al 29 gennaio un progetto sperimentale che vede l' Auditorium Oscar Niemeyer di Ravello allestito con un impianto digitale all’avanguardia, predisposto dalla D2, partner esclusivo anche della Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica di Venezia, per ospitare una rassegna cinematografica.Uno schermo di 16 metri e l’istallazione del 3D renderanno uniche e spettacolari le proiezioni previste, a partire da quella inaugurale, Ligabue Campovolo 2.0 il film in 3d, in programma sabato 18 dicembre alle ore 20.30, e che farà rivivere all’interno dell’auditorium il concerto al Campovolo di Reggio Emilia, svoltosi il 16 luglio 2011 di fronte a 120.000 persone. Un film-evento, a cui sarà possibile partecipare ritirando o prenotando gli inviti in distribuzione gratuita presso l’Azienda di Soggiorno e Turismo di Ravello.

“L’Auditorium Oscar Niemeyer – spiega il sindaco - fin dalla sua inaugurazione ha dimostrato la sua enorme versatilità. È una struttura polifunzionale dalle immense potenzialità in grado di ospitare la musica, il teatro, la danza e ottimamente anche il cinema. Il progetto sperimentale CINEMA Auditorium OSCAR Niemeyer è nato per vari motivi: per arricchire l’offerta turistica, per valorizzare ulteriormente l’Auditorium nel periodo invernale ma soprattutto per sopperire ad una grave mancanza del territorio. Penso in primis ai nostri giovani, per nostri intendo anche tutti quelli della Costiera Amalfitana, che per andare al Cinema, devono per forza di cose raggiungere Salerno o Sorrento, con tutto quello che questo implica. ”

I biglietti, al costo di 5 e 7 euro per il 3D, saranno in vendita presso l’Azienda di Soggiorno e Turismo di Ravello dalle 09.30 alle ore 16.00 e poi direttamente presso l’auditorium (per prenotazioni tel. 089 857096).

Programma:

Sabato 17 e Domenica 18 DicembreOre 17:00 RE LEONE 3D Regia: Roger Allers, Rob MinkoffVoci: Riccardo Rossi, Vittorio Gassman, Paola Giannetti, Tullio Solenghi

Sabato 17 DicembreOre 20:30LIGABUE CAMPOVOLO 2.0 3D Regia: Marco SalomCon Luciano Ligabue.

Domenica 18 DicembreOre 20:30THIS MUST BE THE PLACERegia: Paolo SorrentinoCon: Sean Penn, Frances McDormand, Eve Hewson

Giovedì 22 e venerdì 23 Dicembreore 19:00 e 21:20 LA PEGGIOR SETTIMANA DELLA MIA VITARegia: Alessandro GenovesiCon: Fabio De Luigi, Alessandro Siani, Cristiana CapotondiDomenica 25 e lunedì 26 DicembreOre 16:00 e 18:00 IL GATTO CON GLI STIVALI 3DRegia: Chris MillerVoci: Antonio Banderas, Salma Hayek,

Domenica 25 e lunedì 26 DicembreOre 20:00 e 22:00MIDNIGHT IN PARISRegia: Woody AllenCon: Owen Wilson, Rachel McAdams, Michael Sheen

Lunedì 2 GennaioOre 19:00 e 21:30ANCHE SE AMORE NON SI VEDERegia: Salvatore Ficarra, Valentino PiconeCon: Salvatore Ficarra, Valentino Picone, Ambra Angiolini

Mercoledì 4 e Giovedì 5 GennaioOre 19:00 e 21:30SCIALLA!Regia: Francesco BruniCon Fabrizio Bentivoglio, Barbora Bobulova, Vinicio Marchioni

Venerdì 6 e Domenica 8 GennaioOre 17:00 I PUFFI 3DRegia: Raja GosnellVoci: Hank Azaria, Jonathan Winters, Katy Perry

Venerdì 6 e Domenica 8 GennaioOre 19:00 e 21:30 IL GIORNO IN PIÙRegia: Massimo VenierCon: Fabio Volo, Isabella Ragonese, Luciana Littizzetto, Stefania Sandrelli.

Sabato 14 e Domenica 15 GennaioOre 19:00 e 21:30SHERLOCK HOLMES - GIOCO DI OMBRERegia: Guy RitchieCon: Robert Downey Jr., Jude Law, Noomi Rapace

Sabato 21 e domenica 22 GennaioOre 19:00 e 21:30LE IDI DI MARZORegia: George ClooneyCon: Ryan Gosling, George Clooney, Philip Seymour Hoffman

Sabato 28 e Domenica 29 GennaioOre 19:00 e 21:30MISSION IMPOSSIBLE: PROTOCOLLO FANTASMARegia: Brad BirdCon: Tom Cruise, Jeremy Renner, Léa Seydoux

Il Pranzo di Natale, l'anteprima napoletana

2011-12-13T06:45:00.000-08:00

Dopo la presentazione all'ultimo Festival di Roma, arriva sul grande schermo "Il Pranzo di Natale", interessante progetto di film partecipato ideato e prodotto da Antonietta De Lillo con la sua "Marechiaro Film".

Scrissi dell'iniziativa qualche mese fa su My Movies e domani lo andrò a vedere in anteprima a Napoli, alle ore 21.00, al cinema La Perla (Via Nuova Agnano, 35).

"Il Pranzo di Natale" sperimenta la commistione di linguaggi diversi e riunisce immagini amatoriali e video realizzati da professionisti per raccontare i giorni delle festività di fine anno, momenti in cui gli italiani si riuniscono in un'atmosfera tutta particolare fatta di spiritualità, consumismo e tradizioni.

Con la De Lillo ci sono Matteo Botrugno, Daniele Coluccini, Francesca Amitrano, Adriano Andriani, Laura Angiulli, Luigi Barletta, Carmine Borrino, Antonella Cecora, Matilde De Feo, Raffaele Di Florio, Gaetano Di Vaio, Vittorio Ercolano, Raffaella Faggiano, Margherita Ferri, Liliana Ginanneschi, Teresa Iaropoli, Elisabetta Lodoli, Stefano Lodovichi, Maria Manfredi, Cristina Mantis, Aglaia Mora, Luca Musella, Irma Palazzo, Rossella Piccinno, Marco Simon Puccioni, Elena Radonicich, Carlo Rizzi, Marcello Garofalo.

L’attrice Piera degli Esposti, in un ruolo deliberatamente in bilico tra persona e personaggio, evidenzia i momenti peculiari del racconto e ne scandisce il tempo.

Dall'8 dicembre 2011 all'8 gennaio 2012 i corti che compongono il documentario e il film saranno disponibili in free streaming. La Marechiarofilm diffonderà in rete i corti e i contributi che hanno partecipato al progetto.

Un documentario su Napoli al tempo di Achille Lauro, si raccoglie materiale

2011-12-13T05:35:00.000-08:00

Giogiò Franchini, napoletano, uno dei migliori montatori italiani (lavora con Paolo Sorrentino, Andrea Molaioli, Sergio Rubini, Pappi Corsicato, Antonio Capuano e tanti altri), sta per realizzare un documentario su Achille Lauro, armatore, politico ed editore che ha profondamente caratterizzato la storia della città di Napoli.

La Mad Entertainment che sta producendo il film è alla ricerca di filmati amatoriali, foto e ricordi che possano diventare materia viva per un racconto cinematografico di grande attualità basato proprio sulla memoria collettiva condivisa nel pubblico. Queste testimonianze private si alterneranno alle interviste ad i testimoni dell’epoca ed agli intellettuali che ancora oggi dibattono sulla leggendaria figura del Comandante.

Si invitano quindi i possessori di fotografie, filmati, documenti riguardanti la Napoli laurina a contribuire a questo progetto culturale con l’obiettivo di ricostruire il panorama architettonico e gli scenari privati ed istituzionali della Napoli di quegli anni.Una volta selezionati, i materiali saranno duplicati e digitalizzati per essere inseriti nel documentario, con l’obiettivo di raccontare non solo il personaggio Lauro ma anche il costume, le atmosfere e gli ambienti della nostra Città.

Sarà possibile consegnare il materiale anche presso Piazza del Gesù 33 fissando un appuntamento.Per infoMad Entertainment - Tel. 081 5527106 -Mail: info@madinnaples.com

Missing "The artist"

2011-12-11T11:13:00.001-08:00

Che film vorrei vedere questa settimana al cinema? Senza dubbio "The artist", la curiosità è tanta. E' un film in totale controtendenza tecnologica. Se il 3D invade le sale, il regista Michel Hazanavicious firma un film muto e in bianco e nero. E fa faville. Ne parlano tutti: tv, giornali, blog. L'attore Jean Dujardin è stato premiato come miglior interprete all'ultimo Festival di Cannes. La storia è di quelle che può incantare e che prova a riscoprire il fascino del cinema: nella Hollywood del 1927 viene raccontata la tormentata storia d'amore tra George Valentin, famoso divo del cinema muto e l'esordiente starlette Peppy Miller. La loro storia attraverserà vari ostacoli, come il passaggio dal cinema muto a quello parlato, che segnerà inesorabilmente il declino di Valentin e l'ascesa della Miller. Una sorta di "Viale del tramonto" in versione maschile.

Bene. Quale cinema lo propone?

A Napoli nessuno.

E la situazione non è migliore nel resto d'Italia con sole 21 sale, 21, che lo proiettano.

E poi parlano di crisi del cinema...Alle Giornate Professionali di Sorrento produttori e distributori si sono trovati d'accordo su una cosa: riportare le sale cinematografiche nei centri delle città e ampliare l'offerta.

Sarebbe ora.

Midnight in Paris

2011-12-11T09:08:00.001-08:00

A chi piace camminare sotto la pioggia a Parigi? Se lo chiede Woody Allen nel suo ultimo film, quello dove appare ( se ne è parlato tanto) nientepopodimeno che Madame Carla Bruni in Sarkozy. E lo fa ripetere al suo alter ego, Owen Wilson, che nella pellicola è un brillante e confuso sceneggiatore di Hollywood con aspirazioni più "nobili" da scrittore. Arriva nella capitale francese con la bellissima futura moglie ma qui, immerso nelle luci della città, dovrà ripensare ai suoi progetti matrimoniali e non solo. E' proprio Parigi, quasi una co-protagonista del film, ad accompagnare Wilson in un percorso magico e mentale fuori dalla sua crisi esistenziale. Ogni notte la città si svela ai suoi occhi con un fascino d'altri tempi e come in una macchina del tempo, lo scrittore viene catapultato nel pieno degli anni Venti, in un'epoca amata dove crede e immagina di poter essere capito di più. In questo viaggio nel tempo, Wilson incontra i suoi miti (Hemingway, Scott Fitzgerald), si fa consigliare da Gertrude Stein, suggerisce trame di film a Bunuel, si intrattiene con Dalì. E si innamora: di un sogno, di un'ideale, di una proiezione dei suoi desideri. Ma questo gioco con l' "impossibile" gli fa capire cosa nella sua vita reale non funziona. A volte, sembra dire Woody, è giusto scappare un po' per ritrovarsi e per ritornare a fare i conti con il nostro "mondo" e per riconciliarci con esso. La vita, infatti, rimane nel presente.

Per raccontarlo, Allen sceglie una chiave divertente, ironica. Le incursioni negli anni Venti restano la cosa più riuscita del film e questo giocare del regista con i geni del passato è spassoso, nonostante la trama risulti comunque un po' troppo esile. Ma per un viaggio delizioso tra le epoche d'oro di Parigi, perdoniamo tutti.

Marion Cotillard continua a convincerci sempre di più.

Nine, Otto e mezzo, Fellini

2011-12-11T08:05:00.001-08:00

Ho adocchiato "Nine" oggi pomeriggio sul satellite. E' un musical di Rob Marshall ispirato a "8 e 1/2", il capolavoro di Federico Fellini, personalmente, il più bel film fatto nella storia del cinema. In realtà il regista riprende uno spettacolo di Broadway che si rifaceva alla pellicola del regista di Rimini e lo porta sul grande schermo, con risultati discutibili. La meravigliosa complessità che Fellini aveva messo nel suo film viene qui banalizzata e appiattita. La crisi dell'individuo che Fellini dipinse con la macchina da presa in "8e1/2" viene accennata con una superficialità degna del peggiore dei telefilm. Marshall raccoglie e trasmette l'immagine che (il mondo? gli americani? boh...) si ha dell'Italia, un paese di moda, che ha "stile" più che contenuti, che vive in questo vortice di contraddizioni con la tendenza al "peccato" che si scontra con l'impianto cattolico del paese e delle famiglie. Insomma, c'è anche altro e Fellini lo fotografò perfettamente. Ma l'idea di un paese in cui ci si può perdere ore a chiacchierare davanti a un caffè, in cui gli uomini invitano le signore a cena allestendo lo spettacolo della seduzione, dove auto, cibo, storia si associano ad un valore assoluto del bello, affascina ancora troppo l'occhio del regista d'oltreoceano, annebbiandogli la vista su tutto il resto.

Si potrebbe essere più comprensibili sul film considerando che il genere utilizzato per rendere omaggio (e ci piace questa forma di rispetto verso il nostro Maestro) a Fellini è quello del musical. Ma purtroppo da queste parti siamo troppo amanti del genere e ne abbiamo fin troppo rispetto per non accorgerci che si è ben lontani da precedenti più dignitosi. Marshall si affida ad un cast da brividi, con una Marion Cotillard intensa che spicca su una parterre femminile di tutto rispetto (Nicole Kidman, Kate Hudson, Penelope Cruz). Ma loro, benché brave, non risollevano le sorti di un film mediocre.

Al via la 4a edizione di Omovies, tutto un altro film

2011-12-07T09:38:00.001-08:00

Il 15 dicembre si aprirà la quarta edizione di Omovies, il Festival Di Cinema Omosessuale e Questioning, primo del genere nel Sud Italia, che sarà ospitato a Napoli dal cinema Academy Astra (via Mezzocannone 109) e che si concluderà il 18 dicembre.
Come gli anni precedenti, il progetto, che rientra nell’ambito della sezione ‘i Ken Art: Socializzando con l’Arte contro il Pregiudizio e le Discriminazioni’, si svilupperà in molteplici direzioni: in primo luogo il concorso cinematografico vero e proprio, la cui premiazione avverrà nel corso della serata conclusiva del Festival, grande occasione per i registi emergenti per far conoscere i propri lavori sottoponendoli al giudizio di una giuria tecnica, formata da personalità del cinema e dello spettacolo in generale, e di una giuria di qualità, che darà un giudizio estetico, valutandone il gradimento di pubblico. In secondo luogo, una selezionata rassegna di film internazionali a tematica omosessuale, che forniranno gli spunti per una serie di dibattiti e tavole rotonde.
Omovies è un progetto dell’associazione i Ken con il Comune di Napoli. Tra gli altri patrocini ci sono quelli di ANCI Campania, l’Università Federico II di Napoli, la Film Commission Regione Campania, la CGIL Campania, la CGIL Napoli e la CGIL Avellino, il COINOR, l’ADISU Federico II e Radio Capri. Si rinnova quest’anno il partenariato con la Mediateca Comunale di Santa Sofia e con il Festival del Cortometraggio del Comune di Napoli ”O’Curt”, oltre al gemellaggio con il Festival del Cinema dei Diritti Umani di Napoli.
Per info: www.omovies.it info@omovies.it

Carino lo spot!

"Radici" e il Mala Vista Social Tour

2011-12-07T09:07:00.001-08:00

Domani al cinema Martos Metropolitan di Napoli esce "Radici" di Carlo Luglio il film su e con Enzo Gragnagniello, presentato nella sezione “Giornate degli Autori” della 68. Mostra Internazionale del Cinema di Venezia. Nel cast figurano Tony Cercola, Franco Del Prete, Maria Luisa Santella, Enzo Moscato, Riccardo Veno, James Senese, Ida Di Benedetto, Ciccio Merolla, Giovanni Persico, Piero Gallo, Francesco Iadicicco, Attilio Pastore, Erasmo Petrigna.
“Radici” è una produzione “Figli del Bronx” (Gaetano Di Vaio, Pietro Pizzimento, Fabio Gargano) per la distribuzione di “Minerva Pictures Group”.
La distribuzione del film si accompagna al "Mala Vista Social Tour" che giovedì 15 Dicembre 2011, debutterà all'Istituto di Cultura Italiano di Parigi. Il concerto vedrà protagonisti Enzo Gragnaniello e i Sud Express, con special guest Tony Cercola, Ciccio Merolla e Riccardo Veno. La seconda tappa del tour è prevista per il 22 dicembre alla Multisala Sofia di Pozzuoli, a seguire il 1° Gennaio 2012 al festival "Capri Hollywood" di Capri, il 2 Gennaio al Teatro Augusteo di Napoli, il 7 Gennaio al Cinema Pierrot di Ponticelli, il 12 gennaio al Teatro Cinema La Perla di Agnano ed il 21 Gennaio al Teatro Cinema delle Arti di Salerno.
Il tour lascerà i confini nazionali per continuare il viaggio il 14 Febbraio 2012 a Mosca e si concluderà nel mese di Aprile al Barbican Centre di Londra all'interno del Film Festival.

Tre uomini e una pecora

2011-12-04T00:56:00.001-08:00

Infelice il titolo italiano del nuovo film di Stephen Elliott. Rimanda ad un recente passato comico nostrano, rischiando di confondere le carte. Anche nel debutto cinematografico di Aldo, Giovanni e Giacomo, si parlava di matrimoni, ma qui è tutta un'altra storia.

Le nozze a cui vi invita il regista australiano sono indimenticabili e lontane anni luce dai ricevimenti noiosi a cui si è abituati. Tre amici londinesi accompagnano Xavier Samuel al suo stesso matrimonio in Australia con una ragazza conosciuta poco tempo prima su una magnifica spiaggia. Due "culture" o, meglio, due modi di intendere la vita si scontrano nel corso del ricevimento nuziale, invano organizzato nei minimi particolari dal papà della giovane sposa, un potente senatore australiano. Da un lato, appunto, il "bel mondo" di Sidney, dall'altro tre scapestrati con una innata capacità ad attrarre guai di ogni genere. Da qui risate a go go.

Il plot potrebbe in parte ricordare "Una notte da leoni" ma, almeno io, ho trovato "A few best men" (il titolo originale) di gran lunga più divertente e irriverente. Il concatenarsi delle esilaranti vicissitudini degli amici dello sposo non lascia tregua e si ride di gusto dall'inizio alla fine.

Sorprendente Olivia Newton- John.

Nelle sale italiane dal 27 gennaio 2012.

Sporchi da morire

2011-12-03T15:11:00.001-08:00

Domani, lunedì 5 dicembre, alle ore 20,30 si proietta al cinema Modernissimo di Napoli, in anteprima, "Sporchi da morire", il documentario sul tema degli inceneritori e dei relativi rischi per la salute (e delle possibili alternative) realizzato da Marco Carlucci.

Marco Carlucci, filmmaker indipendente, racconta il viaggio di Carlo Martigli nel mondo delle nano-particelle e delle polveri sottili.Il film-documentario nasce da alcune domande.È vero che gli inceneritori fanno male?Perché in Italia si continuano a costruire questi impianti mentre nel resto del mondo si stanno smantellando?Quali sono i rischi concreti per la salute?Quali sono i danni provocati dalle micro- e nano-particelle?Quali sono le possibili alternative?

Con queste domande in testa è iniziata la ricerca online di Carlo Martigli, un viaggio virtuale che diventa reale, video presenti in rete si alternano improvvisamente ad esclusivi reportage realizzati in varie parti del mondo. L'intento è quello di riflettere su un problema non solo nostro ma soprattutto dei nostri figli legato alle invisibili nanoparticelle da molti indicate come il più pericoloso strumento d'inquinamento del presente e del prossimo futuro.Carlo Martigli percorre l'Italia ed incontra personaggi grotteschi che sembrano le maschere della Commedia dell'Arte. Piccoli assessori, sindaci e tanti altri politici che investono ora nella costruzione degli inceneritori e li propongono alle proprie amministrazioni come una crema miracolosa che fa sparire ogni problema.I politici, ma anche grandi nomi della Scienza e famosi personaggi televisivi, si prodigano per rassicurare i cittadini che gli inceneritori non fanno maleMa il Professor Stefano Montanari, gli racconta ben altre verità. Scopritore delle nano-particelle assieme alla moglie, la Dottoressa Antonietta Gatti, il Prof. Montanari si batte da anni contro gli inceneritori. Impegnati in questa lotta con lui ci sono tanti medici, non solo italiani, studi, ricerche, comitati, decine di migliaia di nominativi eppure... nessuno ne parla.

Ingresso libero fino ad esaurimento posti.

Multicinema Modernissimo Via Cisterna dell'Olio, 59 Napoli

www.sporchidamorire.com

Sporchi da morire Italia, 2011, 84’

Le Idi di marzo

2011-12-03T08:19:00.001-08:00

Ottimo attore, ex star della tv, attuale protagonista del gossip, uomo dallo charme inconfondibile. George Clooney è tutto questo. Ma è anche un bravo e sapiente regista. (Me) Lo dimostra con "Le Idi di marzo", presentato quest'anno alla Mostra di Venezia e in uscita nelle sale italiane a metà dicembre. Avevo visto con estremo interesse e attenzione "Good night and good luck". Ho visto a Sorrento "Le Idi di marzo" con altrettanta soddisfazione.

George Clooney è nel film un affascinante (guarda un po') politico americano. Democratico, ça va sans dire. Gira gli Stati Uniti per il suo tour elettorale. In prospettiva la Casa Bianca. Intanto un avversario da battere. Ad aiutarlo una squadra di sostenitori eccezionali, geni della comunicazione. Tra questi il suo giovanissimo addetto stampa: Ryan Gosling, in stato di grazia. E' lui, in realtà, il vero protagonista del film. Anzi lo sono i suoi ideali, "pugnalati" da un modus agendi in politica feroce e senza scrupoli. Quasi come in un romanzo di formazione, il giovane, intelligentissimo e talentuoso, si ritrova a scontrarsi con la realtà. La politica vive di compromessi e mezzucci e prima di essere grandi leader, i politici sono innanzitutto uomini che sbagliano.

Sul concetto proprio dello sbaglio, si costruisce parte della (bella) sceneggiatura del film. Come si affrontano gli errori, fino a che punto è possibile accettarli? Da cosa è dettato lo sbaglio: orgoglio, egoismo, sete di un sempre ricercato "quid pluris"? La pellicola lascia riflettere, non intende dare una risposta precisa. Ma, tra le righe, il pensiero di Clooney si può indovinare, lui da sempre sostenitore dei Democratici, ma da sempre a favore di trasparenza e libertà di espressione. La critica al "sistema" di potere c'è e nessuno, veramente nessuno, è escluso.

Stilisticamente Clooney firma una regia elegante, misurata ma non distaccata. Sorregge una sceneggiatura solida, senza sbavature. Il cast che ruota intorno al regista e a Gosling è eccezionale con Philip Seymour Hoffman e Paul Giamatti che si confermano tra i migliori della loro generazione.

I film vincitori del Premio Goya, una retrospettiva all'Istituto Cervantes di Napoli

2011-12-03T04:57:00.001-08:00

Una scena di "Bajo las estrellas"

Ancora un appuntamento con il cinema spagnolo con una nuova iniziativa dell'Istituto Cervantes di Napoli. Dal 12 al 21 dicembre 2011 verrà ospitata nell’auditorium del centro di cultura spagnola “Recorrido por los premios Goya - Percorso ai Goya”, rassegna ideata per proporre alcuni dei lungometraggi insigniti dei prestigiosi riconoscimenti. Cultura ispanoamericana contemporanea, sperimentazione visiva, caratteri intensi e storie metropolitane di persone speciali sono i punti cardinali della nuova edizione. Tra i film in programma, ci sono le opere di registi già conosciuti ai più, per esempio Alejandro Amenábar e Jaime Chávarri, ma anche produzioni di autori che presto si riveleranno anche al circuito cosiddetto “mainstream”, quali possono esserlo titoli come “Azul Oscuro Casi Negro” o “Camarón”. Insieme, nella medesima retrospettiva, per offrire agli spettatori una visione completa del cinema spagnolo attuale in un arco temporale che galleggia dal 1997 al 2008. Fra drammi e ironie. Tra la violenza e gli snuff-movie di “Tesis” e l’adolescenza periferica narrata in “Barrio”. In un profondissimo dilemma tra vita e morte per “Mare dentro” e alla ricerca della verità essenziale del canto flamenco in “Camarón”, ritratto in tre parti dedicato al geniale cantaor de la Isla. Fino agli stati d’animo umbratili e cangianti di “AzulOscuroCasiNegro”, al reportage sul musico pigro al centro di “Bajo las estrellas” e al racconto sulla malattia all’improvviso nel film “Siete mesas de billar francés”.

In proiezione, dal 12 dicembre alle 17, i film “Tesis” di Alejandro Amenábar, “Barrio” di Fernando León de Aranoa (13/12), “Mar adentro” di Alejandro Amenábar (14/12), “Camarón” di Jaime Chávarri (15/12), “Azul oscuro casi negro" di Daniel Sánchez Arévalo (19/12), "Bajo las estrellas" di Félix Viscarret (20/12), "Siete mesas de billar francés" di Gracia Querejeta (21/12).

Tutte le proiezioni sono ad ingresso gratuito.

www.napoles.cervantes.es

Instituto Cervantes di Napoli: via Nazario Sauro 23. Tel: 081 1956 3311.

Miracolo a Le Havre

2011-12-03T03:24:00.001-08:00

Esiste un occidente senza cellulari, assilli tecnologici e "lento"? Kaurismaki ce lo mostra in una cornice sublime nel suo ultimo film "Miracolo a Le Havre". Il regista finlandese sceglie di raccontare una dolcissima storia di solidarietà e amicizia tra un lustrascarpe bohémien e un giovanissimo "emigrato clandestino" ambientandola nel nord della Francia, in una cittadina portuale di cui non indovineresti l'epoca. E' il dramma degli emigranti che viaggiano nei container, ammassati come sardine in una scatoletta, a ricordare che gli anni inquadrati sono i nostri, altrimenti sembrerebbe essere proiettati in una dimensione "altra", a-temporale e a-spaziale. La cruda realtà di chi vive ai margini della nostra società, del nostro occidente, è infatti raccontata con un tocco di elegante e poetica semplicità, che rende tutto, dalla storia alle atmosfere, dai personaggi alle ambientazioni, irreali. In questa favolistica commistione tra realtà e irrealtà si ritrova il genio e la felice intuizione narrativa del regista che spoglia il nostro mondo iper nutrito, schiavo di supermercati e mezzi di comunicazione, per concentrarsi il più possibile sulla sola umanità, vero e unico patrimonio prezioso che ci rimane. In questo andare verso l'essenziale, tutto appare più chiaro: le infinite discussioni sul tema dell'immigrazione e le molteplici teorie a riguardo si annullano per fare spazio alla storia che uomini e donne stanno scrivendo, giorno dopo giorno, in realtà piccole, marginali, squallide.

Ma grazie alla visione di Kaurismaki lo squallore scompare. Lo spettatore potrebbe desiderare addirittura di andare in quelle bettole frequentate da ambigui personaggi dove il protagonista, André Wilms, è solito bere un bicchiere di vino dopo una giornata di lavoro passata a pulire le scarpe altrui: il marciapiede come ufficio e come collega un coreano costretto a esibire un vero (per il governo), ma falso (per l'identità) passaporto cinese per poter essere considerato "esistente".

Zalone Biglietto d'oro. E' tempo di ripensare il cinepanettone?

2011-11-28T10:18:00.001-08:00

"Che bella giornata", "La banda dei Babbi Natale", "Harry Potter e i doni della morte – Parte 2" vincono il Biglietto d’Oro posizionandosi rispettivamente al primo, secondo e terzo posto nella classifica generale dei film più visti in Italia.

Vincono i Biglietti d’Oro come film italiani più visti "Che bella giornata", al primo posto, "La banda dei Babbi Natale", secondo, e al terzo posto "Natale in Sudafrica".I Biglietti d’Oro del cinema italiano vengono assegnati dall’Anec, associazione esercenti cinema, ai film che, nelle sale monitorate da Cinetel, hanno venduto più biglietti nella stagione cinematografica 2010-2011, con riferimento al periodo 1 dicembre 2010 – 30 novembre 2011 (per motivi tecnici le rilevazioni sono state chiuse al 27 novembre).

I riconoscimenti verranno consegnati mercoledì 30 novembre nell’ambito della 34° edizione delle Giornate Professionali di Cinema, iniziata oggi a Sorrento. Ai registi, agli sceneggiatori, agli interpreti principali dei primi tre film italiani in classifica vengono assegnate le Chiavi d’oro del successo.

Alle società Medusa Film, Warner Bros e Universal va il Biglietto d’Oro per le case di distribuzione classificate rispettivamente al primo, secondo e terzo posto per numero complessivo di spettatori. La targa Anec “Claudio Zanchi” ai giovani artisti va a Massimiliano Bruno e a Sarah Felberbaum, mentre il premio Agiscuola va a "Noi credevamo" di Mario Martone, e il premio Fac, comitato per la diffusione del film d’arte e cultura, viene assegnato ad Andrea Segre per "Io sono Li".

Trilogia nel mondo: un documentario sul teatro di Toni Servillo

2011-11-28T02:00:00.001-08:00

“Non  sono  di  quelli  che  pensano  che  il  momento  più  bello  del  teatro  sia  quando  si prova, io  penso  che  il momento  più  bello  del  teatro  è  quando  si  recita”    .

Toni  Servillo ha girato il mondo con la "Trilogia della villeggiatura" di Carlo Goldoni, riscuotendo ovunque successo. Massimiliano Pacifico, giovane regista e montatore napoletano, ha pensato di raccontare la tournée con un documentario che oggi verrà presentato al Festival di Torino.

"394  ‐  Trilogia  nel  mondo ", il titolo del film, ricostruisce  le  tappe  di  un  viaggio  che  tocca,  fra  le  tante  città,  Berlino  e  Mosca,  Parigi  e  New  York,  Madrid  e  Istanbul. Non è  solo  un  film  sul  teatro,  sugli  attori  e  la  recitazione,  ma  anche  il  vivace  racconto  di  un’esperienza  speciale,  attraverso  un  confronto  intenso  e talvolta  divertente  con  luoghi,  culture  e  stili  di  vita  di versi.   

“Durante  quattro  anni  di  tournée  ti  muore  un  padre,  ti  nascono  figli,  ti  separi  da  una  donna,  ci  sono  delle  guerre  e  tutto  il  tuo  rapporto  intimo  col  personaggio  che  stai  recitando  o  con  l’autore  che  stai  portando  in  giro,  s’informa  di  queste  cose  e  crea  quella  qualità  speciale.”  Così  Toni  Servillo,  in  un  incontro  pubblico  a  New  York,  ha sintetizzato  la  particolare  dimensione  temporale  che  ha  accompagnato  il   lungo  progetto.

" Ho  avuto  il  privilegio  di  poter  documentare  in  tempo  reale  una  delle  tournée  teatrali  più  entusiasmanti degli  ultimi  decenni- ha raccontato il regista-  In  giro  per  il  mondo  con  uno  dei  più  grandi  attori  viventi  ho  raccolto  oltre  cento  ore  di  straordinario  materiale  filmato.  Attraverso  una  meditata  sintesi  al  montaggio  è  nato  l’appassionante  racconto  di  un'esperienza  significativa  ed  indelebile  di  arte  e  di  vita.  Non  vi  sono  interviste  dirette  o  intromissioni  negli  avvenimenti  davanti  all’obiettivo.  Lo  spettatore  non  dovrà  avere  la sensazione  di  guardare  un  documentario,  ma  di  calarsi  nelle  vicende  dei  vari  personaggi.  Una  testimonianza,  intensa  e  insieme  leggera  ed  ironica,  del  valore  dell’arte  teatrale  nel  mondo,  in  tempi  di  crisi  economica  e  culturale".

In attesa di vederlo.

A Sorrento le Giornate Professionali di Cinema

2011-11-23T06:38:00.001-08:00

Manca poco alla 34° edizione delle Giornate Professionali di Cinema, principale incontro dell’industria cinematografica nazionale che si svolgerà a Sorrento dal 28 novembre al 1 dicembre. Nel corso della manifestazione verranno presentati, ad una platea di operatori del settore, i film della prossima stagione e saranno consegnati i Biglietti d’Oro del cinema italiano, il premio che l’Anec attribuisce ai film e alle strutture cinematografiche che hanno registrato il maggior numero di spettatori.

Attesi dal pubblico degli addetti ai lavori anche Aldo, Giovanni e Giacomo, Checco Zalone, Carlo Verdone, Micaela Ramazzotti, Christian De Sica, Fabio Volo, Fausto Brizzi, Claudio Bisio, Luciana Littizzetto, Alessandro Siani, Claudia Gerini, Rocco Papaleo, Fabio De Luigi, Enrico Vanzina, Diego Abatantuono, Ricky Memphis, Isabella Ragonese, Maurizio Mattioli, Alessandro Piva, Enrico Silvestrin, Manetti Bros, Daniele Liotti, Vinicio Marchioni, Valentina Lodovini, Massimo Venier, Gennaro Nunziante, Teresa Mannino, Paolo Genovese, Lucio Pellegrini, Luca Miniero, Maurizio Casagrande, Guglielmo Scilla, Giovanni Vernia alias Jonny Groove.

Nove le anteprime in programma: Il Gatto con gli stivali 3D, Le Idi di Marzo di George Clooney, interpretato dallo stesso Clooney insieme a Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Marisa Tomei, The Best Exotic Marigold Hotel di John Madden con Julie Christie, Judi Dench, Tom Wilkinson e Peter O’Toole, A Few Best Man - Tre uomini e una pecora di Stephan Elliott con Xavier Samuel, Rebel Wilson e Olivia Newton-John, Killer Joe di William Friedkin con Matthew McConaughey, Emile Hirsch e Thomas Haden Church, Henry di Alessandro Piva con Carolina Crescentini e Michele Riondino, Hysteria di Tanya Wexler con Maggie Gyllenhaal e Hugh Dancy, Arthur e la guerra dei due mondi di Luc Besson, La chiave di Sarah di Gilles Parquet-Brenner con Kristin Scott Thomas e Melusine Mayance.

Passione a teatro

2011-11-22T23:24:00.001-08:00

Non si ferma "Passione". Il docufilm sulla musica napoletana diretto da John Turturro, dopo essere stato trasformato in un concerto e dopo le prime date del tour, approda a teatro.

Lo spettacolo che vede protagonisti gran parte dei musicisti presenti nella pellicola, da Pietra Montecorvino a Raiz, dagli Spakkaneapolis a James Senese, sarà in cartellone a Napoli al teatro Trianon il mese di dicembre nei giorni 4, 5, 8, 10 e 11.

I biglietti saranno in vendita da domani presso il botteghino del teatro e tutte le prevendite convenzionate. Galleria di Platea/Platea 25 euro

Posto di Palco 20 euro

Loggione 10 euro

Per info 081-7436271

Anche se è amore non si vede

2011-11-22T14:40:00.001-08:00

Ficarra e Picone si cimentano, per la prima volta da quando fanno cinema, a dirigere un proprio film. La pellicola esce domani, ampiamente sostenuta e promossa dalla Medusa.

La storia si spiega con poche righe. In una bellissima e mai così soleggiata Torino si snodano le peripezie sentimentali di due piccoli imprenditori del turismo legati da un lungo e consolidato legame di amicizia. Uno (Picone) è fidanzato da tempo immemorabile con una donna che "soffoca" di eccessive attenzioni, l'altro (Ficarra) è uno scapolo incallito che assume nella sua impresa solo ragazze belle e potenzialmente single. Quando la ragazza di Valentino decide di lasciarlo, hanno inizio una serie di equivoci che culmineranno nel movimentato finale.

Il film è una leggerissima ed esile commedia che strappa più di una risata grazie soprattutto all'intesa e alla fluidità del duo comico. La comicità della sceneggiatura si basa sull'efficacia delle battute e sulla simpatia della coppia artistica che funzione in tv come sul grande schermo. Tutto il resto è come costruito intorno ai due e a volte la sensazione è che la struttura del film risenta di questo eccessivo e mal celato artificio. Far ridere al cinema, in effetti, non è mai impresa facile. Spesso si scade del volgare (cosa che non succede assolutamente con Ficarra e Picone), a volte i film rimangono come schiacciati dalle personalità dei comici. Ed è forse quello che succede in "Anche se è amore non si vede", dove gli stessi colleghi del duo non riescono ad emergere, con l'eccezione forse di Giovanni Esposito. Anche Ambra Angiolini, altre volte apprezzata per l'evoluzione che la sua carriera ha avuto anche in campo cinematografico, sembra fare qui un passo indietro.

La pellicola è comunque molto piacevole, perché piacevole e giusta la comicità degli amatissimi Ficarra e Picone. All'anteprima organizzata a Napoli, ho incrociato Cesare Accetta, direttore della fotografia del film. Gli chiedo come è stato lavorare con loro e lui sorride con contagiosa spontaneità. "Due mesi di grande lavoro- mi racconta- ma loro sono belle persone. E il set è stato molto piacevole".

Jonathan Demme a Napoli: si gira il documentario su Enzo Avitabile

2011-11-16T00:52:00.001-08:00

Jonathan Demme con Anthony Hopkins sul set de "Il silenzio degli innocenti"

Aveva pensato ad un film su Enzo Avitabile l'anno scorso quando, ospite del Napoli Film Festival, entrò in contatto con la città e la sua cultura. Disse: "Ho scoperto la musica di Napoli e i suoi musicisti contemporanei che mi sembrano eccezionali. Non sarebbe male iniziare con loro una collaborazione. Si percepisce una grande creatività nelle strade della città. Visitandola ho notato alcuni dei più bei graffiti che ho visto negli ultimi anni".

Poco più di un anno dopo Jonathan Demme torna tra i vicoli di Napoli per realizzare la sua idea. Il regista de "Il silenzio degli innocenti" e di "Philadelphia" è al lavoro in questi giorni e sta realizzando interviste e immagini da inserire nel documentario dedicato al musicista partenopeo.

Demme non è nuovo ad operazioni di questo genere. Suoi sono infatti alcuni film-concerto, come quelli dedicati a Neil Young e ai Talking Heads.

E lo stesso Avitabile è ormai a suo agio davanti la camera da presa. E' stato tra i protagonisti di "Passione" di John Turturro.

Ieri il regista americano ha incontrato anche il sindaco Luigi de Magistris

Il docufilm è ambientato in città e vede come testimonial colleghi e amici di Enzo Avitabile: tra gli altri, il cantautore Franco Battiato, la cantante palestinese Amal, Eliades Ochoa del gruppo Buona Vista Social Club e il percussionista indiano Trilok Gurtu.

Talking Heads: Stop Making Sense Trailer from Palm Pictures on Vimeo.

Al Pan la storia permanente del cinema

2011-11-15T01:00:00.001-08:00

Da oggi e fino al 22 dicembre, ogni martedì, mercoledì e giovedì - a partire dalle ore 15.00, il Palazzo delle Arti di Napoli ospita la rassegna cinematografica Storia permanente del cinema. L'evento si divide in tre sezioni: "Storie del cinema. Cicli, percorsi, rarità" (15h00), a cura della Mediateca Santa Sofia, "Capolavori. I grandi classici della settima arte" (17h00), a cura del regista Marcello Sannino, "Temi. Ricorrenze e sincronie del cinema" (19h00) a cura della scuola di cinema Pigrecoemme che affronta in particolare le tematiche infanzia e adolescenza nel cinema (novembre) e le metafore del noir (dicembre).

La rassegna è senza dubbio una occasione importante per vedere o ri-vedere i grandi classici della Settima arte, attraverso un ventaglio di titoli che hanno fatto la storia del cinema mondiale.

Qualche titolo per stuzzicare l'interesse. Oggi stesso si proiettano "Mon Oncle" (Jacques Tati, Francia, 1958), "Intolerance" (David Wark Griffith, USA, 1916)e "Germania anno zero" (Roberto Rossellini, Italia, 1948).

Ingresso libero.

QUI il programma completo.

Pan - Palazzo delle Arti di Napoli
Via dei mille 60, Napoli
tel. +39.081.7958604-05fax. +39.081.7958660
info@palazzoartinapoli.net
www.palazzoartinapoli.net

La kryptonite nella borsa

2011-11-09T10:35:00.000-08:00

Ivan Cotroneo, apprezzato sceneggiatore (dalla tv al cinema, da "Tutti pazzi per amore" a "Mine vaganti"), porta sullo schermo il suo romanzo "La kryptonite nella borsa", la storia di una famiglia nella Napoli degli anni '70. Il protagonista è il piccolo Peppino. La precoce miopia e il carattere introverso non lo fanno il beniamino dei coetanei e a scuola cerca di sopravvivere tra gli antipatici compagni. A casa non va meglio, ma la situazione è già più "divertente". Mamma Rosaria cade in depressione dopo la scoperta dei tradimenti del marito e Peppino si ritrova così solo. La famiglia cerca di costruirgli attorno le cure momentaneamente in stand by della madre. A farne le veci il papà, la zitella collega di Rosaria, i giovani zii in piena esplorazione culturale targata anni Settanta (vedi: droghe e amore libero). Peppino si adatta. Ogni tanto cerca conforto in un amico immaginario, il cugino Gennaro che in vita, come dopo la sua scomparsa, è convinto di essere un supereroe.

Lo scrittore Cotroneo diventa stavolta il regista Cotroneo e le sue origini ed esperienze letterarie si risentono nel corso di un film piacevole e divertente. Se infatti è pregevole tutto il tessuto narrativo, è sulla regia che si sentono le maggiori debolezze della pellicola. Cotroneo non abbraccia uno stile in particolare e si limita a rappresentare in modo lineare il romanzo. Non ci sono colpi di genio, ma il film fila anche grazie ad un'attenta cura nel restituire l'atmosfera dell'epoca e ad un cast di attori che si muovono in un quadro di estrema armonia. Probabilmente anche qui le doti romanziere di Cotroneo aiutano molto: i personaggi sono ben caratterizzati e tutti gli attori, dal bravo Luca Zingaretti al tenero Massimiliano Gallo, dall'intensa Valeria Golino all'elegante Fabrizio Gifuni, offrono interpretazioni generose, in un generale buon equilibrio.

This Must Be The Place. Doppia visione

2011-11-09T06:03:00.000-08:00

Su Art Tribune un'interessante riflessione su "This Must be the place" di Paolo Sorrentino.

Fu vero capolavoro?

A voi il giudizio!

This Must Be The Place. Doppia visione

Cinema e diritti, se ne parla a Napoli

2011-11-08T07:44:00.000-08:00

Arriva alla quarta edizione il Festival del Cinema dei Diritti Umani di Napoli. A partire da oggi e fino al 19 novembre nel capoluogo campano e nella sua provincia, registi e videomaker, attivisti e giuristi, cittadini e cinefili rifletteranno insieme su diritti universali e sulla crisi globale.

La manifestazione è gemellata con il Festival di Buenos Aires e fa parte dello Human Rights Film Network, la rete che unisce oltre 30 festival di Cinema e Diritti Umani di altrettante capitali culturali del pianeta.

Il Festival si articolerà in due settimane, la prima riservata agli eventi nei Comuni metropolitani e nei quartieri della città e la seconda, con epicentro a Napoli, dedicata agli eventi speciali e internazionali.

Il concorso si focalizza sulle opere audiovisive di autori italiani e internazionali ispirati ai diritti universali (Human Rights Doc) con una sezione speciale per i cortometraggi (Human Rights Short). Le proiezioni dei film in concorso si terranno al Cinema “Academy Astra” dal 14 al 17 novembre. I premi saranno assegnati da una giuria specializzata, presieduta da Giulia Grassilli, Presidente dello Human Rights Film Network. Quest'anno è stato indetto un Premio Speciale dedicato alla memoria di Vittorio Arrigoni e Juliano Mer Khamis. Tutti i vincitori avranno diritto a partecipare alla selezione dei film in concorso al XIII Festival DerHumALC di Buenos Aires del 2012.

Tra gli eventi da segnalare: gli incontri con i social filmmakers Vincenzo Cavallo e Silvia Gioiello, con il giurista argentino Emilio Garcia Mendez, uno dei più autorevoli esperti di diritti dei minori, quello sulla Primavera araba e l’Europa, con i sociologi Antonello Petrillo e Salvatore Palidda, il filmmaker Nicola Angrisano, l’attivista tunisino Omeyya Naoufel Seddik, il musicista Marzouk Mejri, il fotografo Giulio Piscitelli e la giornalista Nabila Zayati.

La chiusura del Festival sarà invece affidata a una due giorni (venerdì 18 e sabato 19 novembre) dedicata alla Calabria, con la partecipazione di Enzo Nucci, inviato RAI dal Corno d’Africa, i sacerdoti calabresi don Pino De Masi e don Giovanni Ladiana e il prof. Tonino Perna, docente dell’Università degli Studi di Messina.La serata finale (sabato 19) avrà invece come tema “Da Ellis Island a Riace, il futuro di una utopia possibile”. Insieme a Tonino Perna e Chiara Sasso della rete dei Comuni Solidali, interverranno gli onorevoli Giuseppe Giulietti, presidente dell’Associazione Articolo 21 per la libertà d’informazione e Rosa Villecco Calipari, Componente della Commissione Difesa della Camera dei Deputati; il Sindaco di Riace, Mimmo Lucano, vittima di intimidazioni e il Sindaco di Napoli, Luigi De Magistris che concluderà anche, in collegamento telefonico con Buenos Aires, la rassegna di cinema documentario napoletano in Argentina vissuta in contemporanea con il Festival grazie all’Ambasciata d’Italia d’Argentina e all’Istituto Italiano di Cultura di Buenos Aires.

Info: http://cinenapolidiritti.it/web/

Le avventure di TinTin - Il segreto dell'Unicorno

2011-11-08T04:43:00.000-08:00

Un film di Steven Spielberg genera, quasi sempre, un misto di curiosità e attesa. E con "Le avventure di Tin Tin" non poteva che essere così. L'ultima creatura del regista americano arriva dopo una gestazione di quasi vent'anni, con il supporto recente alla produzione di Peter Jackson. Ma gli sforzi non sono stati vani e l'opera finale soddisfa le attese della vigilia.

Spielberg sembra voler tornare indietro nel tempo, portando in auge un personaggio che più di una volta (nel film e non nel fumetto) strizza l'occhio al mitico Indiana Jones. Il quarto episodio della saga dedicata all'avventuroso archeologo aveva divertito i malinconici, ma non era ai livelli delle prime tre pellicole. Con Tin Tin, Spielberg si riscatta e se le mille peripezie del giovane reporter non arrivano ad eguagliare in coinvolgimento ed empatia quelle di Indiana, vi si avvicinano molto. Tin Tin ha spirito di avventura, è saggiamente incosciente e si ispira ad un evidente spirito di giustizia universale. Incrocia nel suo cammino il Capitan Haddock che affronta la vita e la memoria con una bottiglia di rum sempre pronta in tasca e con quell'allure da "perdente" cosmico che non può che far simpatia. Un misterioso modellino di un veliero è all'origine della storia che si svolge tra Europa e Marocco e il ritrovamento un tesoro preziosissimo è il motore che muove tutta l'azione. Ci sono pirati e sultani, deserti e maledizioni secolari. L'inizio va a rilento, ma dopo poco il ritmo incalza e si entra in pieno nel vivo dell'avventura. Una chicca l'intervento dei due poliziotti Dupont e Dupond. L'animazione, poi, in motion capture raggiunge livelli altissimi.

Peccato che negli ultimi anni i film non debbano mai finire e per portare il pubblico nelle sale oltre alle promesse del 3D, si spinge a realizzare saghe senza fine. Anche qui il film non finisce e si rimandano bimbi e adulti al prossimo capitolo. E', ripeto, un peccato perchè è come se non si volesse dare fiducia ad un'opera finita, sottraendo così la sua stessa compiutezza e autonomia.

Colazione da Tiffany. 50 anni dopo

2011-11-07T14:25:00.000-08:00

"Colazione da Tiffany" compie 50 anni. E li festeggia con una versione restaurata in digitale 4k.

A Napoli, il film di Blake Edwards, interpretato dall'indimenticabile Audrey Hepburn sarà proiettato mercoledì 9 novembre (18,00 - 20,15 - 22,30) al multicinema Modernissimo (via cisterna dell'olio 49/59 napoli | info 081 5800254 | prenotazioni www.modernissimo.it - ingresso 7,50 | ridotto 5,00).

Pina, Wenders. Napoli (e l'Italia) è distratta

2011-11-07T02:30:00.000-08:00

Aspettavo il film di Wim Wenders dedicato a Pina Bausch con grande interesse. Il successo al Festival di Berlino e il rilancio alla Festa di Roma non potevano non destare una certa curiosità. Ho amato tantissimo alcuni film del regista tedesco. Sono cresciuta in una scuola di danza dove si strizzava l'occhio a Pina praticamente ogni giorno. Ecco i tanti perchè di una certa attesa.

Poi lo sconforto. Il film è molto bello, è un documentario elegante e "sentito" sul lavoro di uno dei geni artistici degli ultimi trent'anni. Wenders fa "poco": lascia che sia la danza di Pina, le sue coreografie e i suoi ballerini ad invadere prepotentemente lo schermo e a riempire gli occhi dello spettatore di immagini sublimi. Wenders "c'è" quando, con intuito, porta la danza della Bausch fuori le mura del teatro e la incita a dialogare con architetture cittadine e con la natura stessa. Poi ci sono i ricordi dei componenti della compagnia che regalano il lato più umano della coreografa.

Perchè lo sconforto? E' dovuto al tipo di proiezione che la mia città mi ha consegnato. Per correttezza, dovrei forse additare distributori ed esercenti. Ma il senso è quello. Il film infatti è in 3D (vedi il titolo stesso) e noi lo abbiamo visto in 2D. Inoltre in tutta la Campania, il film può essere visto solo in una sala piccola, a-tecnologica all'ennesima potenza, sporchina e démodé del centro "bene" di Napoli. So di persone che quando hanno letto che il film si proiettava solo lì, hanno preferito aspettare la vendita del dvd. Con buona pace della meraviglia estetica che, pare, questo film e la tecnologia usata porti con se'. "Pina 3D" era un piccolo "caso" e credo diventerà un cult. C'è l'utilizzo del 3D a servizio non di avventure fantastiche o apocalittiche, ma per provare a restituire la plasticità e l'emotività dello spettacolo dal vivo nei margini dello spazio cinematografico. Un esperimento artistico e tecnico degno di nota. Peccato non averne potuto godere.

ps. Il film è proiettato in Italia sono in 49 sale.

This must be the place

2011-10-27T06:33:00.000-07:00

L'impressione che ho avuto nel vedere "This must be the place", l'ultimo film di Paolo Sorrentino, è stata quella di essere di fronte ad un'opera più cerebrale che emotiva, più ideale che sentimentale. Mi spiego.

Sorrentino ci aveva abituati "bene": i suoi film trasudavano di approcci cinematografici nuovi, inediti, mai banali. Una regia elegante (che si ripete qui) si abbinava a storie intriganti, ad una visione "altra" della realtà, a personaggi che nessuno avrebbe osato mettere sullo schermo o che nessuno avrebbe mai trovato veramente interessanti. Il tutto veniva abilmente messo insieme grazie a sceneggiature solide che sostenevano perfettamente la costruzione di immagini di grande fascino.

Anche in "This must be the place" la cura per la fotografia e la scelta di inquadrature e contenuto di inquadrature restano impeccabili, ma nonostante indubbi pregi tecnici (c'è da aggiungere l'interessante lavoro che ancora una volta il regista napoletano porta avanti sulla musica e la colonna sonora, praticamente un altro protagonista del film), il film soffre di una certa debolezza di sceneggiatura e di un coinvolgimento sincero alla storia.

Sean Penn (bravo, ma non alla sua prova migliore) è un cantante rock di successo, ritiratosi a vita privata per motivi non proprio leggerissimi. Soffre di depressione e Sorrentino ce lo mostra esaltandone, purtroppo, il lato più da macchietta. Cheyenne, il suo nome d'arte, passa le giornate come una tranquilla casalinga di provincia, una "desperate housewife" che controlla i suoi investimenti in borsa, fa la spesa al centro commerciale, sfoglia riviste aiutando la vista con un paio di occhiali con tanto di catenina intorno al collo. La moglie (adorabile Francis Mc Normand) è in realtà il marito che di mestiere fa il pompiere e che lo batte nelle partite a pelota.

La notizia della malattia del padre lo porta forzatamente verso le origini, verso le domande che non hanno mai risposta (i genitori ci vogliono bene?), verso un viaggio attraverso l'America profonda che è, guarda un po', un percorso di crescita ed evoluzione personale.

E' la sceneggiatura la parte più fragile del film e non è poco. Alcuni episodi ed alcune scelte narrative sanno di macchinoso: si sente la ricerca della trovata, piuttosto che lo svisceramento di stati d'animo e tutto questo va a discapito della fluidità stessa del film e della sincerità dell'opera.

Nel film c'è Sorrentino, ma è come se non ci fosse. C'è il suo occhio cinematografico, ironico e intelligente, ma manca il coinvolgimento del suo sguardo umano. La storia è sua e come potrebbe non esserlo: sarà, suppongo, il coronamento dei sogni del ragazzino Sorrentino quello di poter dirigere un film su una rockstar decaduta, affidare il ruolo da protagonista ad uno dei più grandi attori degli ultimi 20 anni e avere come supervisore alla colonna sonora "nientepopodimeno" che David Byrne. Ecco l'ideale che è perfettamente reso. Ma nelle due ore di film non ho sentito quella presa emotiva a cui sempre Sorrentino ci aveva abituati, quell'indecifrabile coinvolgimento, quella simpatia, nel suo significato proprio di "patire insieme", che ci avvicinava in modo incredibilmente umano e viscerale ai suoi personaggi borderline: dagli usurai di provincia ai ragionieri della mala esiliati in una non-vita, fino a divi grotteschi della politica.

Sorrentino ha osato lì dove nessuno, in Italia, si permetteva più. Qui fa un passo indietro: ci regala belle immagini, senza però graffiare.

Sposo in pieno il giudizio di Paolo Mereghetti sul Corriere della Sera: "dopo aver dato fiducia per più di due ore a un regista che aveva fatto dello smarrimento visivo e dell’inafferrabilità filosofica la sua chiave di lettura del caos odierno (anche se solo accennati, il film affronta i Grandi Temi dell’oggi, dal dolore alla vendetta, dalla solitudine all’apparenza) viene il dubbio di essersi persi tra ambizioni troppo grandi. E che l’attenzione alla «forma», per bella e affascinante che sia, finisca per risolversi in una formula un po’ troppo programmatica".

Carnage

2011-10-26T09:56:00.000-07:00

Ritratto di famiglie in un interno. O forse meglio: ritratto di un inferno. O, appunto, di un massacro come lascia intuire il titolo. Niente paura, non c'è sangue. Il "Carnage" che mette, letteralmente, in scena (vista l'origine teatrale della sceneggiatura) Roman Polanski è puramente sentimentale ed intellettuale. Il regista polacco adatta al cinema la pièce di Yasmina Reza e decide di non allontanarsi eccessivamente dall'impostazione teatrale del testo. Due coppie discutono tra le quattro mura di un appartamento di New York e, per tutta la durata del film, non si andrà oltre salotto, cucina e bagno. La trama è presto detta: il figlio di una delle due coppie (Winslet - Walz) avrebbe malmenato il pargolo dell'altra (Foster - Reilly), dopo, pare, un bisticcio tra bande. I genitori si incontrano per sistemare apparenza e normali tensioni. Ma il buon salotto degenererà.

Il film comincia con i convenevoli e termina con l'abbattimento di qualsiasi formalità. Polanski presenta innanzitutto gli individui immersi in apparenti equilibri familiari, "schiavi" di quelle formalità alla base del "buon vivere civile". Poi l'esplosione (o l'implosione?). Man mano che la discussione si anima, emergono i lati più "animaleschi" di uomini e donne. Aiutati dall'alcol, le singole individualità si spogliano di tutte le sovrastrutture, mostrando le frustrazioni e le nevrosi, i vizi e le debolezze, ben nascosti normalmente. La pellicola raggiunge picchi eccelsi grazie ad un mix di ottima recitazione (tutti bravissimi, con Walz superlativo. La Foster invece forse troppo stereotipata) e sceneggiatura ben oliata che mette bene insieme ironia ed intelligenza, critica feroce alla società occidentale e cura nella costruzione dei personaggi.

Purtroppo però il ritmo denso e coinvolgente non rimane costante, nonostante la breve durata del film e sul finale l'intelligenza della costruzione narrativa cede il passo a luoghi comuni e al "già sentito".

Nell'insieme, però, è un film che vale la pena vedere e... attenzione ai Blackberry!

Faust

2011-10-07T05:45:00.000-07:00

Faust è il primo film che vedo del cineasta russo Alexander Sokurov. L'opportunità di vederlo prima dell'uscita ufficiale in sala a fine ottobre me lo ha dato "Il cinema esteso", un'interessante rassegna organizzata dal Comune di Napoli che, in collaborazione con Marco Muller, ha portato alcune pellicole presentate al Lido nelle sale partenopee, dal centro alla periferia.

Non credo di aver mai visto un film come "Faust". Questa è stata la prima sensazione all'uscita dalla proiezione. Ha una forza nelle immagini, una cura nelle inquadrature, nella fotografia, nella direzione degli attori unici. Sokurov non è uguale a nessuno, ha un suo modo di fare cinema estremamente personale che difficilmente può lasciare indifferenti. Il regista chiude con questo film la tetralogia dedicata al potere che a questo punto è obbligatorio vedere. Con il Faust di Goethe, Sokurov scaraventa lo spettatore in una riflessione sull'uomo e le sue tentazioni, scavando a fondo negli angoli più oscuri dell'animo umano. Ma mi rendo conto che le parole, in casi come questi, sono totalmente inutili per provare a spiegare il lavoro fatto, troppo "monumentale" (come scritto da tanti) per poter essere rinchiuso in semplici periodi. A volte le frasi, gli aggettivi arrancano ( o forse sono io a non essere capace) dietro la potenza di un'opera visiva che trasmette più di quanto si possa osare immaginare.

Il regista ha scelto movimenti di macchina incessanti, ma profondamente fluidi per raccontare l'incontro tra Faust e Mefistofele. Quel nervosismo nelle inquadrature traduce perfettamente lo stato d'animo del protagonista, inquieto e irrequieto nella sua voracità di conoscenza, sapere, illuminazione. D'altro canto quella stessa fluidità delle immagini permette al racconto di guardare anche più in alto, di elevarsi dalle faccende "terrene" a quelle "filosofiche". Induce alla riflessione e alla introspezione. Il mondo rappresentato è un universo interiore spinoso, complesso, di quasi assoluta incomprensione che lascia smarrito l'uomo curioso, inerte quello distratto. Sokurov non nasconde nulla, dalla prima all'ultima inquadratura. Non risparmia allo spettatore orrende visioni. La forza delle immagini è tale da lasciare immaginare l'odore di putrido dei cadaveri, del corpo del messaggero del diavolo. E' un mondo che si decompone, che marcisce inesorabilmente. Quale sfumatura del potere ha voluto individuare Sokurov stavolta? Forse quella più viscida, bassa, miserevole? Il potere del denaro (il diavolo è l'usuraio)? Il potere di sedurre-abbindolare? Il potere di controllare gli altri, di procedere ad un'esistenza senza rimorsi e scrupoli?

Perchè credo di non aver mai visto un film come "Faust"? Forse perchè non mi è quasi mai capitato di non percepire in una pellicola la patina di finzione cinematografica, di non sentire la distanza tra l'opera e il mio occhio. Sokurov travolge lo spettatore, lo immerge completamente nella sua realtà, nella sua storia. E' un film, ma è come se non lo fosse. E' una visione ed un'esperienza artistica a 360 gradi, con i sensi colpiti da una miriade di input. Forse l'unico vero film in "3d" che mi è capitato di vedere finora.

Mozzarella Stories

2011-10-05T10:16:00.000-07:00

Una guerra per le mozzarelle, nessuno ci aveva ancora mai pensato. E' un'idea divertente quella alla base di "Mozzarella Stories", il primo lungometraggio di Edoardo De Angelis. Il regista casertano ci porta nelle terre di "Gomorra", per raccontare una storia di imprenditori caseari, loschi affari, malavita e capi bovini. I toni e lo stile sono grotteschi (uno dei produttori è Emir Kusturica), volutamente eccessivi. Gianpaolo Fabrizio (il Bruno Vespa di Striscia la notizia) è Ciccio Dop, dominatore assoluto nell'impero delle bufale fino a quando sul mercato non esplode una gustosa mozzarella cinese.

De Angelis fa un grosso lavoro sui personaggi per caratterizzarli quanto più è possibile. E osa molto. Cerca di raccontare una storia nuova, usando registri interessanti e provando a coinvolgere lo spettatore in un tourbillon di eventi, tra risate e amarezza.

Purtroppo non tutto fila liscio a dovere. Si sente qualche debolezza nella sceneggiatura, non oliata perfettamente. E la regia non tiene testa ai comunque interessanti spunti della storia. Di fronte alla descrizione di un mondo "eccessivo", colorato, passionale, dove il sangue si mescola al latte, dove convivono sentimenti umani forti, la regia sembra troppo distante e intimidita da tanto clamore. Mi sarei aspettata trovate più avvincenti. Brava Luisa Ranieri e molto divertente e riuscito il personaggio del cantante Angelo Tatangelo interpretato da Massimiliano Gallo.

I documentari di INTERNAZIONALE a Napoli per la prima volta

2011-10-05T00:56:00.000-07:00

E' un piacevole autunno cinematografico quello di Napoli (anche se che sia autunno, lo suggerisce solo il calendario). In varie sale della città si sta svolgendo la rassegna "Il cinema esteso", la proiezione di alcuni film presentati neanche un mese fa alla Mostra di Venezia (seguirà post ad hoc). A giorni comincerà il Napoli Film Festival e a novembre arriva il Festival del cinema dei diritti umani di Napoli. E' un bel fermento, perché si vedono film e si parla di un tipo di cinema (ah ieri c'è stata anche l'assemblea per la costituzione di un'associazione di cineasti indipendenti partenopei) che passa solo in modo sfuggente dai normali circuiti commerciali. Ben venga tutto, ne abbiamo bisogno.

Qui ci tenevo a segnalare una notizia "fresca fresca". Dal 10 al 31 ottobre c'è un'interessante anteprima del Festival del cinema dei diritti umani. Le associazioni Cinema e Diritti ed Arci Movie promuovono, per la prima volta a Napoli, la prestigiosa rassegna di film documentari della rivista Internazionale. Si tratta di 4 giornate di proiezione (due documentari per ogni serata), selezionati da Internazionale fra i più interessanti usciti nell’ultimo anno in tutto il mondo.

La rassegna MONDOVISIONI inizierà Lunedì 10 ottobre alle ore 19.00 presso lo storico Cinema Academy Astra. Seguiranno poi i vari appuntamenti accompagnati dalla presenza di ospiti, fra cui la Vice-Direttrice di Internazionale Chiara Nielsen e la giornalista Annalisa Camilli.Tra le opere presenti nel programma, Tahrir di Stefano Savona, recente vincitore del SalinaDocFest, che racconta la rivoluzione egiziana della scorsa primavera, Page One: A Year Inside The New York Times, uno sguardo sulla trasformazione del sistema dei media nel momento di maggiore incertezza, quando Internet sta superando la carta stampata come principale fonte di notizie, The Edukators 2.0 che segue gli studenti dell’università di Vienna nella lotta per un sistema educativo e una società più giuste, You Don’t Like The Truth – 4 Days Inside Guantanamo, la dimostrazione della violenza fisica e psicologica a cui sono sottoposti i detenuti del carcere militare più “famoso” al mondo.

PROGRAMMA COMPLETO

Lunedì 10 ottobreOre 19.00YOU DON’T LIKE THE TRUTH – 4 DAYS INSIDE GUANTÁNAMO | di Luc Côté e Patricio HenríquezOre 21.00PAGE ONE: A YEAR INSIDE THE NEW YORK TIMES | di Andrew Rossi

Lunedì 17 ottobreOre 19.00THE EDUKATORS 2.0 | di Doku Working GroupOre 21.00TAHRIR | di Stefano Savona

Lunedì 24 ottobreOre 19.00PROSECUTOR | di Barry StevensOre 21.00AN AFRICAN ELECTION | di Jarreth Merz e Kevin Merz

Lunedì 31 ottobreOre 19.00LAST CHAPTER: GOODBYE NICARAGUA | di Peter TorbiörnssonOre 21.00IMPUNITY | di Juan J. Lozano e Hollman Morris

SCOPRIR...il cinema ibericoamericano

2011-09-27T04:57:00.000-07:00

Un'immagine di "Parpados Azules" di Ernesto Contreras

Sono reduce da un bellissimo viaggio in Perù, secondo paese visitato in Sud America dopo un breve soggiorno anni fa a Buenos Aires. Al ritorno mi sono ripromessa di esplorare meglio la cinematografia sudamericana di cui so ancora poco.

Detto, fatto. A Roma dal 4 al 9 ottobre il cinema ibericoamericano si mette in mostra. Titolo (azzeccatissimo per me): "Scoprir". E' organizzato dall'Istituto Cervantes.

Messico, Colombia, Argentina, Cuba, Cile, Uruguay, Venezuela, Portogallo e Spagna sono le nazioni coinvolte nel progetto che presenta 18 film in lingua originale con sottotitoli in italiano, proiettati al Palazzo delle Esposizioni e alla Casa Argentina

Nove le première italiane. Quattro i registi coinvolti nell’iniziativa che interverranno durante le proiezioni delle loro opere: il messicano Pedro González-Rubio (4/10), il portoghese João Botelho (5/10), il colombiano Carlos Gaviria (6/10) e il cubano Jorge Perugorría (7/10).

Tra le pellicole presentate alla sala cinema del Palazzo delle Esposizioni, “Alamar” di Pedro González-Rubio, “El vuelco del cangrejo” di Óscar Ruíz Navia, “Film do Desassossego” di João Botelho, “Retratos en un mar de mentiras” di Carlos Gaviria, “Rompecabezas” di Natalia Smirnoff, “Espiral” di Jorge Pérez Solano, “Afinidades” di Jorge Perugorría e Vladimir Cruz, “Lo que más quiero” di Delfina Castagnino, “Lucía“ di Niles Jamil Atallah, “Chico y Rita” di Fernando Trueba, Javier Mariscal e Tono Errando, “La mujer sin piano” di Javier Rebollo , “La vida útil” di Federico Veiroj e “Hermano” di Marcel Rasquin. Alla Casa Argentina per la sezione “Cine en costruccion”, invece, si presentano “Una novia errante” di Ana Katz, “Párpados azules” di Ernesto Contreras , “Rabia” di Oscar Cárdenas Navarro, “La punta del diablo” di Marcelo Paván, “El baño del Papa” di Enrique Fernández e César Charlone.

The September Issue

2011-09-12T16:13:00.000-07:00

Grace Coddington e Anne Wintour

E' un documentario molto interessante "The September Issue", diretto da R.J. Cutler. Il film racconta la realizzazione di un numero di "Vogue U.S", quella che da tutti viene considerata la Bibbia universale della moda. Al di là della opinabile sacralità del magazine, è indubbio che è uno di quei giornali che incidono, e non poco, sul mondo moderno. Personalmente ho sempre trovato Vogue noiosetto e inoltre le innumerevoli pubblicità ne aumentano vertiginosamente il volume, rendendolo simile più alle Pagine Gialle, che ad una piacevole rivista da sfogliare. Intanto però detta legge in fatto di moda. In effetti a scandire i ritmi nel settore è la direttrice, il "diavolo" Anne Wintour. Il documentario si focalizza sull'organizzazione lavorativa all'interno del giornale: le idee, i servizi di moda, le collezioni, lo scouting di nuovi talenti, le fotografie. Ma alla fine, merito di autori e regista, emerge il lato umano dei protagonisti. La Wintour è ritratta nei suoi eloquenti silenzi, con la telecamera pronta a coglierne le espressioni del viso. La temuta direttrice non mostra mai segni di cedimento: fa valere la propria opinione con poche parole e semplici gesti. Le tiene in parte testa solo la sua storica direttrice creativa: l'ex modella Grace Coddington, un "genio" a detta della stessa Wintour. Intanto però il mondo è ai suoi piedi: i giovani talenti la venerano, i grandi fotografi esaudiscono le sue richieste, gli stilisti le chiedono preziose consulenze. Se la nostra è la società dell'apparenza e dell'effimero, Anne Wintour ne è l'assoluta imperatrice. Poi però si ascolta la voce della figlia teenager e si colgono le debolezze della regina: "Mamma vorrebbe che facessi la redattrice di moda. Io vorrei studiare legge. La moda è divertente, ma c'è altro nella vita". La Wintour, quasi a fine film, si racconta alla telecamera. Dice che sua sorella si batte per i diritti dei contadini in Sudamerica, un fratello è un avvocato impegnato in cause sociali, mentre l'altro è un autorevole editorialista de "The Guardian". "I miei fratelli trovano quello che faccio..... divertente" afferma, con un velo di tristezza mista ad un accenno di senso di inadeguatezza che, francamente, spiazza. Anne Wintour, una delle donne più potenti del pianeta, una le cui scelte e il cui gusto vanno ad influenzare il mercato mondiale, con tutto quello che comporta in termini di vendite, marketing, scelte di produzione, investimenti, è mostrata qui, per un attimo, fragile.

ps. Vincitore del Sundance Festival per la sezione documentari

Passione, il TOUR!

2011-07-28T08:06:00.000-07:00

Ci sarà anche John Turturro ai nastri di partenza di “Passione Tour”. Domani a Loano e il 30 luglio a Civitavecchia, James Senese, Peppe Barra, Raiz con gli Almamegretta, Pietra Montecorvino, Gennaro Cosmo Parlato, M’ BarKa Ben Taleb, Misia e gli Spakka-Neapolis 55, inaugureranno la tournée che li porterà in giro per l’Europa proponendo il ricchissimo patrimonio melodico partenopeo, dall'illustre passato della canzone tradizionale all'elettrica creatività della Napoli contemporanea.

Il 15 settembre appuntamento all'Arena Flegrea di Napoli.

Intanto il film è sbarcato negli States....

“Il film unisce forti emozioni con una soavità sensuale mescolando estasi da crepacuore… Se artisti come Marvin Gaye, Otis Redding e Aretha Franklin vedessero questo film, ne riconoscerebbero la propria arte.”

New York Times

“Turturro ha colto gli stati d’animo, gli atteggiamenti e la musica coinvolgente di un popolo in un’esperienza cinematografica dalle atmosfere rarefatte”.

Film Journal International

“Turturro presenta una gamma di ritmi festosi che uniti alle elegie dolorose che difiniscono il temperamento di un popolo”.

Indiewire

America Oggi

2011-07-24T08:48:00.000-07:00

Sono stata ad una delle proiezioni estive organizzate dal Madre di Napoli. Anomala serata di fine luglio: la pioggia degli ultimi giorni ha rinfrescato l'aria e sembra di essere già in settembre inoltrato. All'ingresso del museo d'arte contemporanea, un simpatico signore con camicia rossa distribuisce ticket d'ingresso. Si attraversano le sale del museo e dopo una veloce panoramica delle opere di Jeff Koones, Anish Kapoor e Rebecca Horn, si arriva nel cortile del palazzo Donnaregina. In alto le stelle (e qualche aereo), intorno mura antiche dall'immancabile fascino. Occhi puntati sullo schermo. Oggi si vede "America Oggi" di Robert Altman.

L'avevo già visto anni fa, forse proprio a cavallo della sua uscita nel 1993. Troppo piccola all'epoca per capire il senso di un film poderoso e complesso. In inglese il titolo originale è "Short cuts". Altman, amante dei film corali (come me), lega e connette le vite di una dozzina di abitanti di Los Angeles. Tanti vizi, poche virtù: l'occhio del regista è impietoso e cinico. In quasi tre ore di film, è fotografata tutta la miseria umana. Le singole storie si rincorrono vorticosamente, mentre allo spettatore non sono lasciati spazi per respirare.

Più che tristezza o magoni, il film mi ha lasciato un profondo turbamento, nervoso più che emotivo. E' stata una visione a "nervi scoperti". Altman, feroce nella descrizione della realtà, non edulcora niente. L'uomo vaga e vive in quella che è ancora una giungla nonostante "civilizzazione", "democrazia" e "libertà". La violenza è in tutto: nei sentimenti, nei ricordi, nella famiglia, nei silenzi, negli sguardi.

Viene da chiedersi quale sarà il cammino dell'umanità. A diciotto anni di distanza, l'orizzonte non sembra ancora così nitido.

Bellissimo film. Leone d'oro a Venezia.

Angeli con la faccia sporca

2011-07-21T09:34:00.000-07:00

Ma quanto mi piace vedere i film in bianco e nero di mattina. Nulla di meglio da fare? In realtà no...ma la tentazione di fare colazione gustando quelle immagini di altri tempi cinematografici è sempre troppo grande. E durante l'estate le proposte sono sempre notevoli.

Stamattina è toccata ad "Angeli con la faccia sporca" di Michael Curtiz. I nomi? Eccellenti: Humphrey Bogart e James Cagney. Forse un finale banalotto e "buonista"...Ma era il 1938. Ma non è quello che colpisce. Gli attori sono intensi, come la messa in scena. I registi avevano cura del "crescendo" emotivo del film. C'è anche ai giorni nostri, è vero. Ma all'epoca tutto aveva un altro stile.

Un'estate al Madre - Il Mondo in Bobina

2011-07-21T05:10:00.000-07:00

Il Madre è il museo d'arte contemporanea di Napoli. Pieno centro storico, una bella collezione permanente e mostre temporanee di rilievo. Si porta dietro anche non poche polemiche per costi, debiti e finanziamenti...ma è la prassi da queste parti.

Propone ogni anno una rassegna estiva che abbraccia teatro, musica e...cinema.

Ho dato un'occhiata al programma ed è molto interessante. Le pellicole sono scelte con un certo criterio e le proiezioni sono gratuite. Lo trovo un ottimo modo per trascorrere le serate estive a Napoli. Dopotutto non c'è solo la monnezza.

CINEMA
IL MONDO IN BOBINA

A CURA DI MARIO FRANCO

IL MONDO IN BOBINA È IL TITOLO DEL CAPITOLO CHE, NE "GLI STRUMENTI DEL COMUNICARE", MARSHALL MCLUHAN, (DI CUI RICORRE QUEST'ANNO IL CENTENARIO DALLA NASCITA) DEDICA AL CINEMA, «FORMA NON VERBALE DI ESPERIENZA - SCRIVE - UNA FORMA DI DICHIARAZIONE SENZA SINTASSI. IL CINEMA CI TRA- SPORTA IN UN ALTRO MONDO. LO SCHERMO APRE LA SUA PORTA SU UN HAREM DI SOGNI DA ADOLESCENTI, UN MONDO DI IDEALI PLATONICI DOVE IL PROIETTO- RE HA LA FUNZIONE DI UN'EFFERVESCENZA SULLO SPETTRALE PARADIGMA DELLE COSE. E LO STRETTO RAPPORTO TRA IL MONDO IN BOBINA DEL CINEMA E L'ESPERIENZA FANTASTICA INDIVIDUALE DELLA PAROLA STAMPATA È CONDIZIONE INDISPENSABILE PER ACCETTARE LA FORMA CINEMATOGRAFICA. PERSINO L'INDUSTRIA DEL FILM RITIENE, NON DEL TUTTO IRRAGIONEVOLMENTE, CHE TUTTI I SUOI MAGGIORI SUCCESSI DERIVINO DA ROMANZI». LA LETTERATURA, IL TEATRO, LA MUSICA, SONO COMPONENTI ESSENZIALI DELL'OPERA CINEMATOGRAFICA. QUESTA RASSEGNA SOTTOLINEA GLI APPORTI CHE LA LETTERATURA HA CON IL CINEMA, IL SUO CARATTERE SINESTETICO, LA SUA CAPACITÀ DI ESSERE UN MEDIUM ONNIVORO E ONNICOMPRENSIVO.

Passione a New York

2011-06-24T04:25:00.000-07:00

"Passione", il viaggio nella musica partenopea firmato da John Turturro, sbarca a New York. Sarà proiettato per circa due settimane e incassa il temuto consenso del New York Times. Si legge nella recensione: "La musica in Passione unisce la garbata sensualità con le naturali emozioni, miscela i battiti del cuore con l'estasi, conosce le dure realtà della povertà e dell'ingiustizia e va oltre esse. Credo che se artisti come Marvin Gaye, Otis Redding o Aretha Franklin andassero a vedere questo film riconoscerebbero la loro arte in esso".

E ancora: "La stessa Napoli è caotica e incontrollabile, un luogo difficile, memorabile è il suo ritratto nel film Gomorra di Matteo Garrone, come un inferno di corruzione e violenza. Questo aspetto della città s'aggira intorno a Passione che ritrae una metropoli brulicante, ferita, a volte sporca e che è comunque suggestiva e vibrante".

E Turturro intervistato dall'Ansa a New York dichiara che "Napoli ha una grande anima con la quale ha combattuto molte avversità ed è riuscita a sopravvivere, è gente autentica, prudente ma non troppo: mi ricorda New York parecchio tempo fa, quando ero più giovane".

[Fonte: Cinecittà News]

The Tree of life

2011-05-25T12:55:00.000-07:00

Era un film molto atteso "The Tree of life" di Terence Malick. L'attesa è stata coronata dalla Palma d'oro a Cannes. Meritata, non meritata, non so, dato che non ho visto gli altri film (ad eccezione di Habemus Papam). Tuttavia non posso dire che mi abbia impressionato particolarmente. Siamo di fronte ad un'opera estremamente ambiziosa (aspetto positivissimo) e coraggiosa. Malick azzera tutti i principi standard della narrazione per immergere, è il caso di dirlo, lo spettatore in un respiro profondo di oltre due ore. Il respiro è quello vitale, quello che istante per istante accompagna e sostanzia le piccole esistenze umane e quelle più "ampie" della natura intera. La morte di un ragazzo di 19 anni è il pretesto per provare a parlare del misterioso ciclo naturale che ci fa camminare, lavorare, emozionare, piangere su questa terra. "Da dove veniamo", "chi siamo" sono domande che hanno affascinato e continuano ad affascinare. Quanto le risposte che si possono sventolare. Malick spinge lo spettatore a riflettere. Ma ci riesce veramente? In questo ho avuto dubbi durante la proiezione e anche dopo, molto dopo. Il senso di inquietudine, l'emozione della dimensione non conoscibile che Clint Eastwood mi aveva trasmesso con il suo "Hereafter" (e in qualche scena, senza intenzionalità indubbiamente, lo ricorda), qui manca del tutto. O comunque MI è mancato del tutto. Il regista ha voluto un racconto soprattutto di immagini, rendendo molto marginali i dialoghi, ma non le "parole". Queste, tra il profetico e i filosofico, condiscono la non-narrazione insieme ad una colonna sonora ingombrante. Il risultato è un vortice di suggestioni non amalgamate. Le domande non si pongono, le immagini funzionano fini a se stesse, il senso (non solo della vita) sembra sfuggire. ( e il bravo Sean Penn non è stato adeguatamente "sfruttato").

ps. Varie recensioni dalla carta stampata QUI

Habemus Papam

2011-04-19T04:02:00.000-07:00

Bando alle ciance...ciancio alle bande: Habemus un grande film. Forse, per me, il migliore tra gli ultimi tre di Nanni Moretti. Bello e doloroso "La stanza del figlio", interessante "Il caimano". Ma qui c'è qualcosa in più. Si ritrova il Moretti ironico, dissacrante che "fa ridere". E quello poetico, delicato, "indagatore" dell'animo umano. Protagonista del film un Michel Piccoli sublime (ma sono tutti bravissimi). Neo eletto papa, sentirà tutto il peso di una responsabilità enorme, difficile da gestire e digerire. Moretti usa un personaggio emblematico, il pontefice appunto, per riflettere sulle debolezze umane, su quelle fragilità emotive e caratteriali che sono ostacoli e ricchezza insieme di ogni essere umano. Il regista racconta la storia di un Papa, ma racconta la storia di ognuno. Il film è l'elegante e delicata descrizione di quel sentimento di smarrimento che avvolge chiunque chiamato ad un impegno particolare, quando bisogna dimostrare quello che si è o....che non si è. Fuggire l'impegno (che qui arriva da "altissimi" vertici) è segno di debolezza o di forza? Moretti suggerisce delle risposte, ma non sono categoriche. Lo spettatore esce dal cinema continuando a farsi domande e provando a riflettere su un tema dai contorni non definibili. La resa filmica è, inoltre, impeccabile, come anche la scrittura del film stesso.

C'è una velata critica anche sul "sistema Vaticano", ma non posso approfondirla qui senza svelare il finale. Tuttavia sembrano inopportune le dichiarazioni di "boicottaggio" di un film che è molto rispettoso dell'autorità ecclesiastica e discreto. Moretti ha voluto cogliere il lato più umano delle gerarchie cattoliche e lo fa con ironia e leggerezza. Alcune scene si candidano a diventare nuovi tormentoni (ricordate: "dici una cosa di sinistra!" e "giro, vedo gente, faccio cose"?!).

Le mani sulla città

2011-04-17T07:53:00.000-07:00

Vedere "Le mani sulla città" di Francesco Rosi nel 2011 a poche settimane dalle elezioni per il rinnovo del consiglio comunale di Napoli...è un atto di coraggio. L'ho rivisto stamane su Rai Tre, di buon mattino, con quella concentrazione che solo il risveglio dalla dormita domenicale può darti. La prima frase in mente è banale, ma vera. "Non è cambiato niente". Mia madre ed io abbiamo ripetuto queste parole decine di volte durante l'insolita visione domenicale del film, tra un caffè (il suo) e un tè con miele ed un'aranciata (per me che sono raffreddata).

Il film in sé è un capolavoro. Oro per gli occhi e per lo spirito. Un tempo si "faceva" qualità e questo, nonostante i tempi magri attuali, lascia comunque ben sperare sul potenziale umano. L'amarezza invece è collegata alla consapevolezza dell'assenza, attualmente, di un regista....lo vogliamo definire..."palluto", passatemi il termine, capace di fare un film della stessa portata de "Le mani sulla città", adesso. Eppure il materiale non manca. E non mancano i talenti visionari. Penso a Paolo Sorrentino (in bocca al lupo per Cannes...) e a Matteo Garrone (alle prese con i preparativi per il nuovo film...che sarà girato tra Napoli e provincia tra l'altro).

Rosi, nel '63, raccontò e denunciò con una lucidità estrema ciò che stava accadendo di scandaloso in quegli anni a Napoli, in primis i legami affaristici tra imprenditoria senza scrupoli e politica assetata di potere che hanno avuto, tra le varie conseguenze, quella del deturpamento urbanistico di una città meravigliosa. Il film è asciutto, ma di una potenza incredibile. La sceneggiatura è l'ossatura solida di un'opera che anche esteticamente ha molto da dire. Rosi è un regista scrupoloso e attento, dosa bene immagini e sonoro, in un mix che ancora oggi si può dire moderno. I giochi di luci ed ombre raccontano, infatti, anche meglio degli eccellenti dialoghi, un mondo, una città, un'epoca in perenne bilico tra estremi dilanianti: corruzione, malaffare, negligenze, mancanza totale di lungimiranza e saggezza. Gli attori, infine, e l'insieme di figuranti e comparse sono anch'essi scelti con acume, non lasciando nulla, neanche un'espressione in secondo piano, al caso.

Il dvd dovrebbe essere in ogni casa di un napoletano. Purtroppo.

C'è chi dice no

2011-04-16T15:04:00.000-07:00

"C'è chi dice no" ha un nobile intento di base. Non sono molti, infatti, i film italiani che, con piglio diretto, puntano il dito sul mondo - realtà di raccomandazioni e "segnalazioni" in tutti i campi professionali esistenti. Giambattista Avellino (regista anche dei film di Ficarra e Picone) ci prova e lo fa avvalendosi del trio Argentero - Cortellesi (quella che delude di più)- Ruffini.

Il film è una tiepida commedia. I tre giovani attori interpretano tre giovani "talentuosi" professionisti (un giurista, un medico e un giornalista) relegati in seconda fila perché privi di buone amicizie. Proveranno a liberarsi dello scomodo status quo, ma il finale non soddisfa pienamente.

Il film è, mi ripeto, tiepido. Molto carino e vivace in alcuni punti, essenzialmente scadente in altri: il team di attori molto promettenti non è ben guidato, la Cortellesi non è ai suoi livelli soliti, regia e sceneggiatura stentano a definirsi e a decollare.

Peccato perché l'idea c'era ed era pure "necessaria", visti i tempi che viviamo.

Boris

2011-04-11T13:37:00.000-07:00

Non ho mai visto la serie tv "Boris". Ma ne ho sentito molto e a lungo parlare. E il chiacchiericcio a riguardo mi ha sempre lasciato presagire qualcosa di nuovo e divertente, dissacrante e con potenziale di "sfottò" a 360 gradi.

La conferma è il film tratto dalla sitcom, attualmente in sala. Non passerà alla storia della Settima arte, ma in effetti alcuni passaggi sono geniali. La trasposizione cinematografica non è altro che un episodio "allungato" e questo può minare il ritmo del film, ma alcune trovate sono ottime.

"Boris" è in effetti qualcosa di unico in Italia. C'è un sano prendere in giro l'industria dell'intrattenimento nostrano che molto dice del paese in generale. Non ci sono sconti per nessuno: la mancanza di qualità della tv, lo snobismo del cinema, la politica imbarazzante, l'appiattimento culturale.

Corro a vedere la serie.

Ciao Enzo, ti abbiamo voluto bene...

2011-03-18T04:32:00.000-07:00

Ci ha lasciati Enzo Cannavale. E a Napoli ne sentiremo la mancanza.

Leggo dal sito de Il Mattino:

"Il grande e popolare interprete teatrale e cinematografico di una napoletanità sempre arguta, sorridente e misurata, mai sbracata o sciatta.

L'attore che tra l'altro è stato tra i protagonisti del film premio Oscar di Tornatore "Nuovo Cinema Paradiso", aveva recitato con Troisi, De Crescenzo, Salemme ma anche con Nanny Loy, Marco Ferreri e la Wertmuller.

Ci ha fatto divertire facendo da spalla in tanti film comici e divertenti degli anni 70 e 80.

Un caratterista istrionico e di talento cresciuto alla scuola teatrale di Eduardo De Filippo, che lo scoprì quando era un impiegato delle Poste.

Enzo Cannavale ha avuto anche una lunghissima carriera nel cinema, oltre 100 tra film e fiction.

E' stato un grande attore di teatro lavorando appunto con Eduardo De Filippo e Aldo Giuffrè.

Enzo avrebbe compiuto 83 anni ad aprile.

I napoletani - e non solo loro - lo ricorderanno con affetto e nostalgia.

I funerali dovrebbero svolgersi domenica mattina alle

11, nella chiesa degli artisti, in piazza Trieste a Napoli (luogo e orario sono ancora da ufficializzare)."

Tutta la vita davanti

2011-03-07T03:30:00.000-08:00

Quando un film è atteso inconsciamente e necessario... Benedetto Virzì, grazie per "Tutta la vita davanti", visto solo ieri sera. Tempo fa sentii Isabella Ragonese (la eccellente protagonista) dichiarare che il regista toscano le aveva, con questo film, affidato un personaggio che mancava nel panorama cinematografico contemporaneo nostrano. "Tutta la vita davanti" non è un semplice film che parla "dei call center", ma è un'opera profonda e malinconica, aggraziata e ben diretta-scritta-sceneggiata-realizzata-interpretata (sisi, tutto, tutto!!) che parla del reale in modo equilibrato, sentito ma non superficiale, in maniera attenta ma non pesante. Virzì non è nuovo di queste operazioni. Ricordo sempre con grande affetto "Ferie d'agosto", altra piccola perla che fotografa vizi e virtù del nostro paese.

In "Tutta la vita davanti", la Ragonese è la tipica "giovane" degli anni zero. Grandi passati, grandi futuri, nessun presente. Intorno l'Italia della mediocrità che si espande e dilaga, senza vere e proprie colpe. In un paese fermo da tanti punti di vista, dove i giovani volano via, non rimangono altri spazi che quelli di un commercio ambiguo e truffaldino, dove non conta nulla se non vendere, ingannare, "vedere come fare per mandare avanti la baracca". Isabella Ragonese è brava e ad un ottimo presente aggiungerà senza problemi un eccellente futuro. Poi c'è la ritrovata coppia Ferilli - Ghini, protagonisti del primissimo Virzì de "La bella vita". Ci sono ancora la signora Michela Ramazzotti in Virzì, Valerio Mastandrea ed Elio Germano, sempre sorprendente.

Una bella pagina del nostro cinema che coglie e racconta l'Italia di adesso, senza aspettare lassi di tempo eccessivi. Meglio riflettere ora e subito su cosa siamo. Un po' come ci avevano abituato....diciamolo....grandi del passato.

The fighter

2011-03-06T07:06:00.000-08:00

La boxe al cinema funziona sempre. Vari giovani registi del sud (Marcello Sannino autore del premiatissimo documentario "Corde" e Giuseppe Gagliardi, regista di "Tatanka" prossimo all'uscita in sala) mi hanno spiegato, in occasioni diverse, il perché. Il pugile è come un attore, il ring è un palcoscenico. La boxe è uno sport dove l'aspetto "spettacolarità" ha un peso decisivo. Ed infatti il connubio cinema e pugilato ha regalato e regala film che, se non sempre sono capolavori, raramente però lasciano indifferenti gli spettatori, anche quelli meno amanti della "violenza" (anche se nella boxe non parliamo di violenza vera e propria, ma questo è un altro discorso)....come la sottoscritta. Allora se "Toro scatenato" resta, a mio avviso, insuperato per tutta una serie di fattori, tuttavia non posso parlar "male" di "The fighter" da pochi giorni nella sale italiane. David O. Russel ha messo insieme un dream team di attori per parlare della storia, vera, di due fratelli pugili: uno (Mark Wahlberg) con in mano ancora tutte le possibilità di diventare un campione, l'altro (Christian Bale) pugile geniale finito in disgrazia seguendo la strada del crack. Tutto intorno ai due protagonisti si muovono famiglia e società "proletaria" statunitense. Bale e Melissa Leo (la madre dei due ragazzi) sono stati premiati con l'Oscar. Entrambi sono, in effetti, eccellenti anche se è da segnalare in particolar modo la prestazione di Christian Bale che, indubbiamente, colpisce. Ma è, appunto, tutto il dream team di attori a funzionare e si deve dare atto al regista di aver scelto le "facce" giuste.

Per il resto "The fighter" scorre bene. La cosa stilisticamente interessante è una sorta di "sbandamento" (come sbanda il personaggio di Bale) tra il dramma e l'ironia, tra la spietatezza dello sport, dei rapporti familiari, della vita in generale, e la dolcezza della soddisfazione, dell'amore, dell'esistenza appunto. Il film si mantiene in bilico tra questi due estremi, tanto nel modo di raccontare la storia, quanto nelle scelte di regia, quanto, ancora, nella direzione degli attori. Tutto e tutti esprimono, a momenti alterni, una sensazione di dolce-amaro interessante. Di Bale si coglie il dramma umano (la droga, le aspettative deluse), ma anche il lato "comico": l'attore è una maschera grottesca che snerva e intenerisce, innervosisce e fa sorridere. Lo stesso vale per il gruppetto delle orrende sorelle dei due ragazzi, idem per Melissa Leo e il marito e tutti gli attori secondari. L'unico che fuoriesce da questo gioco di contrasti è Wahlberg che resta quello che si "prende" più sul serio.

Un gelido inverno - Winter's bone

2011-03-04T01:32:00.000-08:00

In una settimana vedo il secondo film, uscito in questo periodo, con protagonista un'eroina teenager. Ne "Il Grinta" dei Coen, si trattava di un'appena quattordicenne determinata, con adulta convinzione (o infantile?), a vendicare il padre. Nell'opera prima di Debra Granik (passata per Sundance, Torino Film Festival e Oscar), cattura lo sguardo dello spettatore Ree Dolly (Jennifer Lawrence): diciassette anni all'anagrafe, il doppio se non di più per esperienze, maturità, capacità di sopportare macigni che la vita le ha riservato. Nel primo film, eravamo in un western a tutti gli effetti, nel secondo benvenuti in un western anni 2000: non ci sono i cavalli, ma le macchine, tuttavia la realtà schiaffeggia e violenta allo stesso identico modo.

La Granik disegna un ritratto dell'America cosiddetta "profonda", lontana anni luce dal sole della California o dai drink di Manhattan: colori spenti o praticamente inesistenti, povertà, poco rispetto delle regole se non quelle del clan (Gomorra?). La giovane Ree ha sulle spalle il peso di due fratelli piccoli, di una madre malata e di una casa che sta per essere loro portata via. Il padre non c'è: fuggito, morto, chi lo sa. Produce anfetamine e spaccia e di lui non ci sono più tracce. Quello che sorprende è l'atteggiamento della figlia che, nonostante le gravissime colpe paterne, non lo giudica mai, non lo condanna, anzi inizia a cercarlo per costringerlo a fare il proprio dovere.

Il film non è male nel complesso, ma non coinvolge. Potrebbe essere definito il "classico" film indipendente americano, dove in quel "classico", a mio avviso, c'è l'accusa più rilevante. La regista sposa la realtà e la schiaffa, asciutta, sullo schermo, ed è un pregio. Ma oltre questo manca qualunque spunto di innovazione e qualunque ricerca stilistica più pregiata che dia valore aggiunto alla "gelida" sceneggiatura. Ottima prova di tutti gli attori ed in particolare della Lawrence.

Il grinta

2011-02-28T01:29:00.000-08:00

C'era una volta una ragazzina che perde il papà, ucciso da un poco di buono. La bambina si arma di forza e di coraggio...e poi di un'arma vera. La vendetta non accetta se e ma. Si studia a tavolino e deve essere preparata con determinazione e coraggio.

Vedendo il nuovo film dei Fratelli MITICI Coen, ho riassaporato il piacere del racconto, cosa che a volte si perde un po' nel cinema contemporaneo, forse troppo spesso distratto nel tentativo di evocare atmosfere, suggestioni, stati d'animo. I Fratelli Coen decidono con "Il Grinta" di raccontare una storia, da cui ognuno può ricavarci quello che vuole, crede, sente, quello di cui ha bisogno. Credo sia una grande lezione del cinema fatto dai grandi del passato, americani e non solo. Non a caso il film dei Coen è un "remake" di una pellicola degli anni Sessanta firmata Henry Hathaway ed interpretata da John Wayne. Il ricordo di quel film è ancora molto vivo per chi ha avuto la fortuna di vederlo al cinema. La sottoscritta non ne ha avuto la possibilità (proveremo a rimediare presto), ma si è goduta l'ottimo film dei Coen che abbracciano il genere, quello del western, in modo rispettoso, ma condendolo con il loro marchio di fabbrica. Quindi aspettatevi sceneggiatura elaborata, battute taglienti e da ricordare, regia da applauso e interpreti ben diretti. Jeff Bridges fa da subito simpatia. Matt Damon appare credibile nel ruolo del goffo "Texas Ranger". Ma la vera scoperta, perchè di vera e propria scoperta si tratta, è la protagonista del film, l'appena quattordicenne Hailee Steinfeld, al suo debutto cinematografico e con in tasca, sciuè sciuè, una candidatura all'Oscar come migliore attrice non protagonista. Su di lei ha avuto la meglio Melissa Leo per "The fighter", ma la sola nomination è un discreto sprone per convincersi di andare avanti. L'aspettiamo alla prossima prova.

Legend Film Festival

2011-02-15T03:24:00.000-08:00

La notizia è, con molte probabilità, già nota, ma ci tenevamo a parlarne anche qui. Si tratta dell'apprezzatissima iniziativa del Legend Film Festival, di stanza, in queste settimane, al cinema Modernissimo di Napoli.

Non avete avuto la possibilità di gustare, sul grande schermo, alcune tra le perle della Settima arte? L'occasione preziosa per farlo è, appunto, questa mostra cinematografica di capolavori senza tempo, che riporta in sala i titoli che hanno fatto grande il cinema. Per il primo ciclo sono stati selezionati 12 film da non perdere. Sgranate gli occhi, parliamo di Il Padrino di Francis Ford Coppola, Carlito's way di Brian De Palma, Un uomo da marciapiede di John Schlesinger,The Untouchables - Gli Intoccabili di Brian De Palma, Edward mani di forbice di Tim Burton, Il gigante di George Stevens, Psycho di Alfred Hitchcock,A qualcuno piace caldo di Billy Wilder, Via col vento di Victor Fleming, Hollywood Party di Mel Brooks, Ritorno al futuro di Robert Zemeckis, La calda notte dell'ispettore Tibbs di Norman Jewison.

I film sono stati restaurati e rimasterizzati in digitale 2K e riprendono vita con rinnovato splendore e nitidezza mai vista prima sul grande schermo.

I prossimi appuntamenti:

lunedì 21 febbraio ore 18,30 – 20,30 -22,30

L'unica cosa che mi riesce è fare l'amore.

UN UOMO DA MARCIAPIEDE (Midnight cowboy)

(Usa 1969, 1h53’, colore, formato panoramico 1,85:1)

Diretto da John Schlesinger.

Con Dustin Hoffman, Jon Voight, Sylvia Miles.

Scritto da Waldo Salt. Dal romanzo omonimo di James Leo Herlihy.

lunedì 28 ore 17,00 – 20,00 – 22,30

Sei soltanto chiacchiera e distintivo!

GLI INTOCCABILI (The Untouchables)

(Usa 1987, 2h00’, colore, formato Panavision 2,35:1)

Diretto da Brian De Palma.

Con Kevin Costner, Sean Connery,Robert De Niro, Andy Garcia, Charles Martin Smith.

Scritto da David Mamet.

lunedì 7 marzo ore 18,30 – 20,30 – 22,30

Non mi ha finito.

EDWARD MANI DI FORBICE (Edward scissorhands)

(Usa 1990, 1h45’, colore, formato panoramico 1,85:1)

Diretto da Tim Burton.

Con Johnny Depp, Winona Ryder, Vincent Price.

Scritto da Caroline Thompson e Tim Burton.

lunedì 14 marzo ore 18,30 – 20,30

Il denaro non è nulla, Jett. - No, quando ce l’hai.

IL GIGANTE (Giant)

(Usa 1956, 3h21’, colore, formato panoramico 1,66:1)

Diretto da George Stevens.

Con James Dean, Rock Hudson, Elizabeth Taylor.

Scritto da Fred Guiol e Ivan Moffat. Dal romanzo omonimo di Edna Ferber.

lunedì 21 marzo ore 18,30 – 20,30 – 22,30

Il miglior amico di un ragazzo è sua madre.

PSYCHO

(Usa 1960, 1h49’, b/n, formato panoramico 1,85:1)

Diretto da Alfred Hitchcock.

Con Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin, Martin Balsam.

Scritto da Joseph Stefano. Dal romanzo omonimo di Robert Bloch.

lunedì 28 marzo ore 17,30 – 20,00 – 22,30

Nessuno è perfetto.

A QUALCUNO PIACE CALDO (Some like it hot)

(Usa 1959, 2h00’, b/n, formato panoramico 1,85:1)

Diretto da Billy Wilder.

Con Jack Lemmon, Tony Curtis, Marilyn Monroe, George Raft.

Scritto da Robert Thoeren, Michael Logan, Billy Wilder e I.A.L. Diamond.

lunedì 4 aprile ore 18,15

Dopotutto, domani è un altro giorno.

VIA COL VENTO (Gone with the wind)

(Usa 1939, 3h42’, colore, formato Academy 1,37:1)

Diretto da Victor Fleming.

Con Clark Gable, Vivien Leigh, Thomas Mitchell.

Scritto da Sydney Howard. Dal romanzo omonimo di Margaret Mitchell.

lunedì 11 aprile ore 18,30 – 20,30 – 22,30

Molto bello barzelletto!

HOLLYWOOD PARTY (The party)

(Usa 1968, 1h39’, colore, formato Panavision 2,35:1)

Diretto da Blake Edwards.

Con Peter Sellers, Claudine Longet, Marge Champion.

Scritto da Blake Edwards, Tom Waldman e Frank Waldman.

lunedì 18 aprile ore 18,30 – 20,30 - 22,30

L’unico ragazzo al mondo ad aver problemi ancor prima di nascere.

RITORNO AL FUTURO (Back to the future)

(USA 1985, 1h57’, colore, formato panoramico 1,85:1)

Diretto da Robert Zemeckis.

Con Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson.

Scritto da Robert Zemeckis e Bob Gale.

lunedì 2 maggio ore 18,30 – 20,30 - 22,30

Mi stanno chiamando Mister Tibbs!

LA CALDA NOTTE DELL’ISPETTORE TIBBS (In the heat of the night)

(Usa 1967, 1h49’, colore, formato panoramico 1,85:1)

Diretto da Norman Jewison.

Con Sidney Poitier, Rod Steiger, Warren Oates, Lee Grant.

Scritto da Stirling Silliphant. Dal romanzo omonimo di John Ball.

Il truffacuori

2011-02-15T01:46:00.000-08:00

Tua figlia è infelice ma non lo ammetterà mai? Tua sorella sta con uno poco di buono? Tua cugina è sistematicamente tradita? Poco male ci pensa, beate loro, Alex Lippi, fascinoso trentenne parigino, di professione "truffacuori". Il francese Romain Duris, protagonista nell'amato film dalla generazione Erasmus "L'appartamento spagnolo", spezza le coppie che "non vanno", a cambio di necessario e lauto cachet, di cui godono anche i suoi collaboratori, ovvero la sorella e l'estroso marito di lei (la coppia che funziona). Insomma Lippi è l'eroe dello "strategismo sentimentale" di marriana memoria, studiato a tavolino con precisa e scientifica efficienza. Il "professionista" del cuore delle donne crede di averle tutte in tasca, fino a quando è il suo, di cuore, che inevitabilmente vacilla.

"Il truffacuori" è una spensierata e veramente divertente commedia, leggera, ma non insulsa, sentimentale, ma non zuccherosa. Anzi. Non tutto fila liscio perfettamente e gli standard di grandi commedie sono avvicinati ma non toccati, ma, onor del vero, si ride di gusto e si passano 105 minuti a sbeffeggiare il romanticismo e i suoi canoni, con personaggi non scontati e di sicuro charme. Ogni tanto si strizza l'occhio alla commedia in salsa british, ma il french touch c'è ed è piacevolmente evidente.

ps. Senza fare una disamina esaustiva, da settembre ad oggi, sono due le commedie che veramente mi hanno divertita: "Potiche" di François Ozon e, appunto, più di una risata con il Truffacuori. Divertente "Benvenuti al Sud" (remake italiano di un successo transalpino, guarda un po'), ma la Francia batte due a uno l'Italia, almeno su questo blog (non dimentico "Into paradiso" che mi è molto piaciuto. Ma pensavo alla risata "fragorosa"). Impensabile fino a qualche anno fa, quando si ripeteva che i francesi erano italiani tristi. Dobbiamo convincerci del contrario?

Qualunquemente

2011-02-12T06:06:00.000-08:00

Cetto La Qualunque è...la summa dei difetti di un politico dei nostri giorni. Discesa in campo per fini personali, onde evitare pericolosi cambiamenti dello status quo ante. Cattolico per incoscienza, donnaiolo con coscienza. Nemico di qualsiasi "normale" abitudine al rispetto delle "norme". Welcome nel meridione corrotto e maltrattato, criminale e dilaniato.

Antonio Albanese propone al pubblico cinematografico una delle sue maschere più riuscite, ideata per gli sketch televisivi. Non sempre il passaggio dal piccolo al grande schermo funziona. Ma produttori, registi e artisti stanno trovando le chiavi giuste per evitare scontati flop. Fandango, Giulio Manfredonia e, appunto, Albanese puntano sulla strada della costruzione, intorno al personaggio di La Qualunque, di una commedia dove caratteri, location, colori sono, volutamente, esagerati. Si ripropone il piccolo mondo dell'imprenditore truffaldino, sintetizzandoci dentro tutti i vizi conosciuti (e amati?) dagli italiani e caricando sfumature e personaggi, in un quadro che si vorrebbe grottesco. Nei siparietti che ricalcano maggiormente le atmosfere già viste in tv, Albanese dà il meglio di sé, trascinandosi dietro la buona riuscita delle scene e delle battute e le risate del pubblico. Dove invece il timone vira di più verso ricostruzioni da commedia standard, ecco che la dimensione cinematografica, e l'effetto comico, vacillano. Si fanno strada sorrisi che, comunque, la bravura di Albanese e i suoi tempi comici riescono a strappare. Forse sarebbe stato opportuno un maggiore sforzo nel rendere ancora più grotteschi e marcati i personaggi e le situazioni portate in scena.

Per il resto si tratta di risate amare, visto il momento politico, sociale e culturale vissuto dall'Italia. L'ignoranza, la corruzione, l'incoerenza di La Qualunque faranno riflettere? Poche speranze in tal senso.

Vento di primavera - La rafle

2011-01-30T06:17:00.000-08:00

Prima annotazione da fare per questo film è il pessimo titolo italiano. Cosa c'entra il vento di primavera con la "rafle", ovvero la retata, non si sa. Soprattutto è un tipo di titolo che potrebbe dare l'idea di una storia romantica, malinconica, magari una commedia su una famiglia. Invece "La rafle" tratta quel doloroso pezzo della storia europea e mondiale che è la persecuzione degli ebrei nel corso della Seconda guerra mondiale. Il film, francese, punta l'attenzione su un episodio particolare: la barbara "raccolta" di intere famiglie ebree di Parigi, spedite prima al velodromo cittadino (impatto visivo notevole), poi in campi intermedi, infine nei vari e tristemente noti campi di concentramento in Europa dell'est. Hitler fa capolino in certe scene, la figura peggiore è quella della politica - polizia francese succube e soggiogata alla volontà del regime nazista.

La grande storia rincorre e si interseca con le piccole storie di bambini, papà, mamme, sorelle, dottori, infermiere. Jean Reno fa il suo. Idem la Laurent. Ma il film è poca cosa.

Che bella giornata

2011-01-26T08:09:00.000-08:00

Ha incassato cifre da capogiro. In parte si spiega, in parte no. Da un lato c'è un personaggio televisivo e popolare amatissimo (anche dalla sottoscritta). Dall'altro un film "brutto", scritto male, girato peggio.

L'esordio cinematografico di Checco Zalone aveva sorpreso un po' tutti: il passaggio dal mega cabaret di Zelig al grande schermo non è scontato. In molti, vedi il mio compaesano Alessandro Siani, si impantanano. In pochi, Massimo Troisi, regalano un pezzo di storia della comicità. Se in "Cado dalle nubi" c'era la sfida, la novità, un percorso da costruire, in "Che bella giornata", manca l'evoluzione e si cercano facili e danarose conferme. Il secondo film di Zalone è piuttosto una delusione. Si ride "poco", qualche siparietto funziona, ma tutto il resto vacilla. La verve di Zalone sembra un po' stanca. Lui non osa e va sul sicuro, anche se a tratti "riemerge" dignitosamente. Il film non "scorre" e viene molto aiutato dalla presenza dell'ottimo Rocco Papaleo. Alberobello incanta e Caparezza offre un simpatico cameo. Ma non basta.

Doveroso ps.

Checco Zalone è una bella "maschera", al passo con i tempi. Sintetizza bene, come appunto dovrebbero fare le "maschere", vizi e virtù di un'epoca, di un "popolo", di un paese. Luca Medici è un tipo sveglio ed intelligente. Dovrebbe, si spera, avere tutte le capacità per riuscire a mantenere un buon standard di sorrisi, magari imparando a costruire commedie di maggiore livello. Aspetteremo fiduciosi.

EXTRA Bif&st: Bari, la città dei teatri sul mare

2011-01-23T08:19:00.000-08:00

Il Teatro Margherita di Bari

Non conosco bene Bari, ma una cosa in particolare mi sta destando più di una curiosità.
Teatri sul mare. Bari è la città dei teatri sul mare. Il Petruzzelli, il Kursaal Santalucia, il Teatro Margherita (chiuso per restauro). Tutti si rivolgono, romanticamente, all'Adriatico. La cultura che accoglie e che abbraccia. Un anello di congiunzione tra terra e mare, conosciuto e sconosciuto, arrivi e partenze.
Da approfondire!

ps. sono al Bif&st

Il discorso del re

2011-01-23T01:54:00.000-08:00

Essere e fare il re e non avere una voce. Non devono essere stati facili gli inizi del regno di re Giorgio VI, il padre della regina Elisabetta II, che dopo la rinuncia al trono del fratello David, si ritrovò, in un'epoca non proprio facilissima, a prendere le redini dell'illustre impero britannico. Siamo negli anni tra le due grandi guerre. Poche certezze, molta paura. In Europa, come tra le mura della vita quotidiana del giovane duca di York, che il regista Tom Hooper, disegna come un uomo responsabile, ma insicuro, ragionevole, ma frustrato, figlio, padre e fratello amorevole. Il dramma che vive sotto gli occhi della famiglia, della moglie e della nazione, è "non avere una voce", quell'incapacità di far defluire con scioltezza parole e pensieri che, per un uomo per cui l'aspetto pubblico è di gran lunga più rilevante di quello privato, rappresenta un ostacolo da evitare con ingombrante complessità. La balbuzie è solo la concretizzazione esterna di un disagio maggiore, una raccolta di insicurezze, inaffettività, complessi di inferiorità vissuti da "Bernie", il nomignolo che l'irriverente logopedista Logue conia per il suo paziente illustre. "Il discorso del re" è infatti un film sulla paura, realtà ignota e sconosciuta, ombra sulla vita, che però "l'amico", più che luminare, Geoffrey Rush riuscirà, poco a poco, smontare. Il privato rincorre il pubblico sullo schermo. Le paure dell'Europa in procinto di dilaniarsi dietro l'ineccepibile eloquio di Hitler si fondono con quelle del nuovo re, dalla parola altalenante. La sofferenza dell'handicap invade il paese, con quel nuovo strumento che era la radio, facendosi peso e forza comune. Così come il re, coraggioso, cerca di saltare l'ostacolo di quelle lontane paure e di quella presente difficoltà nell'esprimersi, così l'impero deve affrontare i proprio timori e combattere i mostri.

"Il discorso del re" è un ottimo film, elegante nello stile, non scontato nella sceneggiatura. Colin Firth, di cui si è sempre detto bene, regala una interpretazione da grande attore. Geoffrey Rush incanta come suo solito. I duelli, abbracci, affronti tra i due divertono per un tocco tipicamente british: sobrietà ed irriverenza, senso di responsabilità e sottile ironia. L'Oscar a Firth sarebbe più che meritato.

ps. presentato in anteprima al Bif&st di Bari.

Hereafter

2011-01-14T02:06:00.000-08:00

Non sono mai stata una fan di Clint Eastwood, pur riconoscendone tutti i meriti "oggettivi". Un maestro di impeccabile e mai sciatta regia. Forse troppo "classico" per i miei gusti.

Stavolta mi devo ricredere (e chi se ne frega commenterà qualcuno :-) ).

Eastwood sceglie per "Hereafter" un tema ingombrante ed inafferrabile, di cui si ha imbarazzo a parlare. Non è facile confrontarsi con il "concetto" (o realtà?) di morte, ancora più arduo è cercare di raccontarlo, in qualche modo. Il regista utilizza tre personaggi e tre storie. Matt Damon è un giovane operaio di San Francisco con il dono e la condanna di entrare in contatto con i defunti. Cécile De France è una giornalista francese, sopravvissuta allo tsunami che colpì il sud est asiatico. Il piccolo George Mc Laren ha invece perso l'amatissimo fratello gemello in un assurdo incidente. La morte diventa realtà nelle vite dei tre personaggi, una realtà scomoda con cui è doloroso e complesso averci a che fare, una realtà che confonde, ma che allo stesso tempo offre strane certezze. Nel narrare le tre vite, Eastwood non si "sbilancia" mai. E' un film emozionante e commovente, ma inspiegabilmente sobrio e senza eccessi. Il tema e la scelta più marcatamente narrativa fatta avrebbero portato chiunque ad "esagerare", a scadere in lacrime facili e commozione sensazionale. La classicità e la delicatezza di Eastwood, invece, evitano tutto questo, regalando un'atmosfera giusta, equilibrata, tesa e serena allo stesso tempo, per tutta la durata del film.

E la chiave scelta, quella del gusto del racconto, sembra essere vincente. Eastwood non prova a scavare in modo macchinoso nelle personalità delle sue creature. Le lascia emergere attraverso la narrazione delle loro realtà, facendo in modo che siano i "fatti" a parlare, a far intuire, a far immaginare.

La regia, infine, ancora una volta classica ed impeccabile. La tecnica di Eastwood è una forma di rispetto e di amore per il cinema e per il suo pubblico. Nulla è lasciato al caso, ogni inquadratura è curata e significativa, tassello della realtà cinematografica che scorre davanti agli occhi.

ps. un plauso al piccolo Mc Laren. La sua è la storia più commovente e delicata. Il piccolo attore offre un'interpretazione che lascia senza fiato.

Mulholland Drive

2011-01-10T02:16:00.000-08:00

Ho rivisto ieri, per la terza volta, "Mulholland Drive" di David Lynch. Ed ancora una volta, sono qui a rimuginare, a ripensare ai dettagli, ai passaggi, alla meravigliosa interpretazione di Naomi Watts, alla genialità del regista.

M.D è un capolavoro, uno di quei rari film che non si esauriscono con una visione ma che continuano a sorprendere, a lanciare interrogativi. Non si "afferra" facilmente, in molti liquidano la questione affermando "non si capisce niente". Ed, invece, credo si capisca molto. O comunque Lynch vuole far capire molto, a modo suo, certo. Ma è proprio la modalità che sceglie ad entusiasmare. La storia potrebbe essere banalizzata in poche righe. E chissà quanti film, telefilm, romanzi l'hanno, in qualche maniera, già trattata. Amore e gelosia, obiettivi e sogni, triangoli sentimentali e solitudini, arrivismo e ambizione, arte e pseudo arte.

Ma Lynch decide di percorrere la strada più complessa per raccontare la tragica storia di una giovane aspirante stella del cinema, innamorata e mal ricambiata da una sua più illustre (e furba?) collega. Il regista decide di immergere lo spettatore non nella dimensione spazio- temporale standard del racconto,ma nell'universo onirico, sentimentale, irrazionale della protagonista, facendo dedurre la storia dal più intimo punto di vista che possa esistere: il subconscio. Le bussole per non perdersi sono le chiavi e i cubi blu, elementi di passaggio e accesso tra realtà e ricordi, sogni e desideri. La pellicola trasuda di tensione e mistero, atmosfere angoscianti ed ansiose. Perchè diverso non potrebbe essere lo stato d'animo del personaggio, tormentato al punto tale da arrivare ad un tragico gesto.

Lynch scava nel profondo dell'anima della sua eroina mancata, giocando con la trasfigurazione della realtà che si realizza nei sogni di tutti e mettendo in scena tormenti e desideri, frustrazioni e gelosie. L'irrazionale trova uno spazio filmico in modo sublime, come, forse, solo Federico Fellini seppe fare a suo tempo.

Tra le righe, poi, c'è il mondo del cinema e le sue illusioni, un contesto potente e decadente da cui Lynch sembra voler prendere le distanze (non a caso il film, ambientato nella mecca del cinema Hollywood, è stato prodotto grazie agli "autoriali" finanziamenti francesi). Lo delinea, infatti, come un universo di false speranze, di giochi di specchi e poteri, che non tutti riescono a reggere.

La pantera rosa

2011-01-07T06:41:00.000-08:00

Rivisto ieri sera in tv. Un insolito classico, a causa dell'anomala lunghezza, della commedia americana. Lo firma Blake Edwards, recentemente scomparso. Cast da capogiro: David Niven e Peter Sellers, Claudia Cardinale e Capucine.

Stranamente, si diceva, lunga come commedia, probabilmente a causa dell'evoluzione della trama del film nel corso della sua realizzazione. All'inizio il protagonista doveva essere il solo ladro gentleman interpretato da Niven. Poi pare che il personaggio del poi leggendario ispettore Clouseau abbia preso il sopravvento, grazie all'imprinting di Sellers, scelto, all'ultimo momento, al posto di Peter Ustinov.

Non si ride dall'inizio alla fine, proprio per una evidente macchinosità del film. Ma ci sono perle di rara comicità. Su tutte, a mio avviso, la scena quasi finale dell'inseguimento di auto, in un piccolo borgo alle porte di Roma. Scimpanzé e zebbre corrono al volante di fuoristrada e utilitarie, in un vorticoso via vai nella piazza centrale del paesino, sotto gli occhi attoniti, ma neanche più di tanto, di un vecchietto di passaggio. La follia umana sintetizzata in una manciata di inquadrature. Pochissime parole, movimenti di macchina non troppo articolati, una gag semplicissima. Ma dall'effetto comico travolgente.

Tron Legacy

2011-01-06T05:55:00.001-08:00

Quando si decide di realizzare un film, si vuole raccontare una storia. Si parte da un'idea, magari un'atmosfera particolare, un personaggio originale, un carattere da far conoscere, un'epoca in pieno cambiamento. Nel primo Tron, uscito nel 1982, questa idea c'era, nonostante, poi, il film sia invecchiato malissimo, al contrario di altri avveniristici film usciti in quegli anni che, invece, hanno fatto la storia del cinema (da "Guerre stellari" ad "E.T". per intenderci). In Tron Legacy, il seguito voluto dalla Disney per la generazione degli anni zero, non c'è alcun anelito di idea. Quando sembra che un film sia stato prodotto partendo dai gadget da commercializzare e dai giocattoli da far comprare, e non da "altro", la cosa si fa triste. E il sequel del film di Steven Lisberg fa proprio questo effetto. Potrebbe, infatti, essere considerato meramente la versione ben fatta, dal punto di vista estetico-tecnologic,o del primo Tron, pioniere negli anni Ottanta. Il secondo, invece, delude da vari punti di vista, delineandosi come l'ennesimo giocattolone senz'anima, pronto a, passatemi il termine, "rincoglionire", a colpi di strategico merchandising, i ragazzini in pre e non solo adolescenza. Valgono il film, tuttavia, ma non gli undici euro per la proiezione, le scene delle sfide, tra inseguimenti e combattimenti con aggeggi tecnologici meravigliosamente infernali.
Per tutto il resto, "arridatece" Matrix. La sceneggiatura è deboluccia, con personaggi che compaiono e scompaiono senza grandi problemi di scrittura, con colpi di scena troppo telefonati o illogici, con dialoghi superficiali che più di una volta strizzano l'occhio ad altri film.
Però ciò che veramente delude è, come sopra riportato, la mancanza di una visione, di un'idea, di una storia da raccontare, nel senso più pieno che vi si possa trovare. Negli anni Ottanta tutta l'informatica era all'inizio ed ambientare un film all'interno di, in estrema sintesi, una scheda madre o di un sistema operativo (non sono un'esperta a riguardo :-) ), fu un'idea geniale. Nel 2010 il mondo "scoppia" per l'affaire Wikileaks. Julian Assange è l'uomo dell'anno. Si parla di nativi digitali e di Underground computing (leggo da Sette del Corriere della Sera). Tutto porta ad un'epoca e ad una macrostoria in costante e velocissimo cambiamento. Non solo tecnologico. Si trattava di cogliere una vivacità, un fermento, una riflessione su un mondo in cui tutti viviamo, che deve essere raccontato per meglio essere capito. Ed in questo il cinema è uno strumento prezioso.
Uno spunto mancato invece per Tron Legacy che, nonostante sia ambientato in due "location" ben note nell'era 2.0 (la realtà e la rete), non ne approfondisce legami e canali. L'universo di programmi e byte potrebbe essere senza problemi un paesaggio stellare o un ambiente onirico, per quanto poco sono stati sfruttati gli spunti di riflessione "necessari" sulle interconnessioni tra i due mondi.
Peccato.

ps. meravigliosa la colonna sonora dei Daft Punk.

Fortapàsc in Francia

2011-01-06T04:44:00.000-08:00

Ieri è uscito nelle sale francesi "Fortapàsc", il film di Marco Risi sulla storia e l'omicidio di Giancarlo Siani, ventiseienne giornalista precario de Il Mattino, brutalmente ucciso dalla camorra perchè "scomodo". L'opera è programmata in sole quattordici sale in tutta la Francia, ma è pur sempre un risultato. La promozione punta, ça va sans dire, sulla curiosità che in Europa si respira sul fenomeno malavitoso napoletano che, dopo "Gomorra", un po' tutti hanno imparato a conoscere. Nel trailer, infatti, si legge: "La camorra ha ucciso migliaia di persone. Ma solo un giornalista".
Leggo su Allociné che la critica lo ha ben accolto. L'illustre rivista Positif (la "concorrente" dei forse più noti "Cahiers du cinéma"), indica quattro stelline su cinque. Anche Première. La media scende, invece, con Le Monde che lo stronca: una stella.
Invece è un bel film Fortapsàsc, forse non uno di quei film da annoverare tra i capolavori italiani di impegno civile, ma sicuramente ben fatto e "necessario".
Come si dice da quelle parti, courage!

Tron

2011-01-05T04:31:00.000-08:00

Mi appresto a vedere stasera "Tron Legacy", sequel di un film del 1982, "cult" per una certa fetta di cineamatori appassionati del genere fantascienza et similia. Si tratta di "Tron", per la regia di Steven Lisberger, non passato alla storia per altre sue opere successive. Questa invece, che vede un giovanissimo (e carinissimo) Jeff Bridges come protagonista, è sicuramente interessante anche se è invecchiata maluccio, con effetti speciali e uso di computer grafica che, nell'epoca di "Avatar", fanno indubbia tenerezza.

La storia (da MYmovies.it). Kevin Flynn è l'autore di alcuni videogiochi di grande successo, tuttavia la ENCOM, società che ne detiene i diritti, l'ha estromesso e li fa passare per proprie creazioni. Nel tentativo di recuperare i dati che potrebbero provare la paternità delle proprie opere intellettuali, Flynn entra di nascosto nel palazzo della società e da un terminale cerca di aggirare le protezioni interne. Se ne accorge però l'MCP, unità di calcolo centrale (il cervellone che riunisce tutti i computer ENCOM e che ha sviluppato una forma di intelligenza autonoma) e attraverso un laser sperimentale trasporta il creativo nel mondo del computer. Kevin Flynn scopre che esiste un universo in cui i programmi hanno forma umana, in cui l'MCP comanda come un dittatore, che i videogiochi sono in realtà battaglie mortali e che i creativi come lui sono oggetti di culti proibiti al pari di divinità religiose.
Per uscire dal mondo dei computer Flynn dovrà combattere l'intelligenza centrale, aiutato da due software programmati dai suoi amici, uno dei quali, Tron, riuscirà alla fine a liberare i programmi dalla dittatura dell'MCP.

Nonostante un'idea intrigante (e posso solo supporre, dato che in quei mesi stavo nascendo, innovativa per l'epoca), il film è debole sui piani della sceneggiatura e della costruzione di un ritmo. La trama è fin troppo lineare e senza sacrosanti colpi di scena. Vero è che non siamo propriamente in un film d'azione, ma la lentezza palese e l'atmosfera sospesa sembrano dovute più ad una debole oliatura degli ingranaggi del film, piuttosto che ad una precisa scelta stilistica. Tuttavia "Tron" conserva un suo fascino, anche estetico, un po' per l'avanguardia che rappresenta nell'universo cinematografico (il primo film ambientato in un computer?), un po' per la forza simbolica dei suoi personaggi e dell'intreccio (anche se...sottile emulazione di alcuni aspetti della saga di "Guerre stellari? chiederemo agli esperti). I programmatori sono dei "creativi", venerati e ammirati. Il Master Control Program ricorda per certi versi un maxi Grande Fratello, per altri un'ingombrante burocrazia sovietica.

Con i miei compagni di proiezione casalinga, siamo andati a spulciare il cast del film. Tra i vari nomi, qualcuno lo ritroveremo stasera nel sequel, qualcun altro invece lo abbiamo ritrovato, nel tempo, in tanti amatissimi film. Tra gli animatori, infatti, è segnalato Tim Burton.

The tourist

2010-12-16T00:54:00.000-08:00

Il problema di fondo di "The Tourist", l'attesissimo spy movie con Johnny Depp e Angelina Jolie (per la prima volta insieme sul grande schermo), è la debolezza disarmante della sceneggiatura. Dettaglio di poco conto? Assolutamente no se si pensa che le menti della storia sono registi e sceneggiatori acclamati e per nulla scontati: Julian Fellowes (premio Oscar 2002 per "Gosford Park"), Christopher McQuarrie (premio Oscar 1995 per "I soliti sospetti", forse il capolavoro assoluto di suspence ed intreccio degli ultimi 20 anni) e Jeffrey Nachmanoff (The day after tomorrow). Regista, il tedesco Florian Henckel von Donnersmarck, premio Oscar per il miglior film straniero con la sua prima opera, il meraviglioso "Le vite degli altri". L'esperienza di tante squadre di calcio, in effetti, insegna: mettere tanti numeri uno in un solo team non necessariamente porta al successo sperato. A meno che non si crei quella magica alchimia che, nel calcio come nel cinema, lega tutti gli elementi in modo "necessario". Così non è stato per "The tourist" che difetta di un intreccio avvincente e soprattutto convincente, che invece non appare efficacemente scritto e costruito. Sembra che il povero e talentuoso (e dettagli dell'innegabile stile del regista sono qua e là nella pellicola) von Donnersmarck si sia dovuto accontentare di un canovaccio sintetico, quando, in realtà, la materia prima su cui lavorare poteva essere di gran lunga diversa.

Ci sono però anche aspetti positivi. Come accennato, lo stile elegante del regista che traspare in movimenti di macchina e scelte cromatiche. Purtroppo il connubio scuola europea - standard d'azione americano non paga e il film risente molto del mancato matrimonio estetico tra Vecchio e Nuovo continente.

I protagonisti non eccellono come sempre, ma fanno il loro dovere egregiamente. Il Depp impacciato fa scattare più di un sorriso e anche accenni (ma saranno voluti veramente?) di commedia. La Jolie è di una bellezza imbarazzante, indefinibile. Come scolpita nel marmo, riempe lo schermo senza grandi sforzi con una femminilità ed un'eleganza da grande diva di altri tempi. Forse è proprio il lavoro sull'estetica del suo personaggio l'operazione più riuscita del film. Dalla cura nella scelta degli abiti, alle acconciature: tutto risponde ad uno stile retro e contemporaneo allo stesso tempo che, inevitabilmente, affascina.

Ps. Geniale, comunque, la scena dell'inseguimento sui tetti di Venezia. Depp corre, scalzo, in pigiamino...

Ps 2. Comparsate di molti attori del cinema nostrano. Molti abituati a ruoli di protagonista o coprotagonsiti, qui contenti di essere relegati a sarti, portieri, poliziotti, commissari, interpreti...

Vallanzasca - Gli angeli del male

2010-12-13T03:41:00.000-08:00

E' prevista per gennaio l'uscita di "Vallanzasca - Gli angeli del male", il film di Michele Placido sul criminale milanese, il "boss della Comasina", che negli anni '70 seminò il panico tra rapine, omicidi e sequestri. La pellicola ha già fatto molto parlare di sè in occasione della sua presentazione ufficiale all'ultima Mostra di Venezia. E continuerà a far discutere, non c'è dubbio. Non mi soffermerei tanto sulla scelta di fare o non fare un film su un personaggio così negativo, perchè, basta leggere poche righe della vita di Renato Vallanzasca, per convincersi sul potenziale altamente cinematografico del suo essere e delle sue avventure. Sventato anche il pericolo sull'apologia del crimine, a mio avviso. Si è molto parlato su una certa posizione di Placido a riguardo, quasi a voler esaltare gesta assurde. Nel film non credo sia palese questa volontà, perchè è il personaggio Vallanzasca a trascinare, inevitabilmente, dietro di sè quell'aurea, definiamola pure, "mitizzante" che può essere ritrovata in altre storie di violenti "banditi": da "Scarface" a "Il Camorrista" di Giuseppe Tornatore.

Tuttavia non è un film che lascia soddisfatti quello di Placido. La seconda parte, da quando Vallanzasca (il bravo Kim Rossi Stuart, ma anche lui più convincente con l'evoluzione del film che non al suo inizio) entra in prigione, ha un ritmo avvincente e si capiscono le ragioni della vendita del film anche all'estero. L'incipit è, invece, superficiale, tra il macchiettistico e il caricaturale. Si riscontrano non poche falle nella scrittura e nella sceneggiatura, con personaggi abbozzati (il ruolo della famiglia?) e in generale con una mancata definizione caratteriale dello stesso protagonista. Manca del tutto il "viaggio" nella mente criminale, misteriosa e, si vede all'epoca, estremamente affascinante nonostante le malefatte. E' una discreta narrazione dei fatti, forse più adatta ai format televisivi.

Nu' bell film - Istantanea di giovane e popolare saggezza

2010-12-12T09:23:00.000-08:00

Un post di argomento cinematografico - sociale su "Con le migliori intenzioni".

"Rapunzel" vs "La vita è bella": chi vince per i teenagers napoletani.

Buona lettura!

RCL - Ridotte Capacità Lavorative

2010-12-12T03:30:00.000-08:00

Di RCL - Ridotte Capacità lavorative si potrebbero dare una marea di definizioni. E il contrario delle stesse. Un documentario. Si, ma anche no. Un film di finzione, in parte, ma anche no. Genere realista. Indubbiamente, ma anche no. Surrealista, senza dubbio, ma anche no. E via discorrendo. Alessandro Di Rienzo, giovane reporter dell'agenzia Ami, ha ideato il film nelle ore cruciali del referendum indetto dalla Fiat allo stabilimento Giambattista Vico di Pomigliano D'Arco. Da un lato l'investimento per il territorio, dall'altro i diritti dei lavoratori, da una parte lo spettro della disoccupazione in terra di camorra, dall'altra le conquiste degli operai messe in un cassetto. Da qui la volontà di parlare di una situazione di una delicatezza evidente, in modo non polemico, non giornalistico "alla Annozero, Report e Ballarò" come si ricorda nel film stesso, senza intenzioni plateali di denuncia alla Michael Moore, per intenderci. Allora ecco il comico Paolo Rossi che, con panama bianco, si aggira tra le strade di Pomigliano con una sgangherata troupe molto "armata Brancaleone". Si incontra il sindaco (di destra), il parroco (più sinistrorso), gli operai, i cittadini di Pomigliano. Si cerca di capire e di fotografare una realtà, con tocco leggero e ironico, surrealista appunto. Rossi vuole realizzare un film sulle vicende di Pomigliano e il genere migliore sembra essere quello della fantascienza...

Nel complesso si ride a denti stretti. Il film, a mio avviso, deve molto alla teatralità di Paolo Rossi, non solo per la sua figura, ma proprio nella impostazione di alcune scene. Ci ho rivisto atmosfere e richiami di suoi ultimi spettacoli teatrali. E rendere lo spazio filmico uno spazio simil teatrale è un esperimento interessante. Da apprezzare anche la volontà di non imporre una visione a priori, che, dopo i 70 minuti di film, viene rilanciata allo spettatore. C'è troppa "carne a cuocere" nel Pomigliano Affair (diritti, lavoro, investimenti, assenteismi esagerati e non, il problema della catena di montaggio....forse il vero filo conduttore del film) per poter evidenziare con forza l'uno o l'altro. La pecca del film sta però nella sua costruzione "cinematografica", forse troppo frettolosa. I tempi e il budget per realizzarlo sono stati minimi, ma uno sforzo maggiore nella caratterizzazione estetica dell'opera e nel lavoro di scrittura non sarebbe stato malaccio: magari un uso più appropriato delle musiche, un voler evidenziare maggiormente il lato burlesco- ironico di Rossi, un lavoro più interessante al montaggio.

Into paradiso

2010-12-04T04:02:00.000-08:00

Paola Randi voleva raccontare una storia di immigrazione - integrazione in Italia. Parlare degli stranieri "tra noi", da un altro punto di vista. Tempo fa è stata a Piazza Dante a Napoli: da un lato ragazzi napoletani che giocavano a pallone, dall'altro singalesi alle prese con una partita di cricket. Illuminazione. Nasce così "Into Paradiso", esordio alla regia della milanese Randi, film ambientato al Cavone a Napoli. Protagonisti Peppe Servillo (ma quanta arte si respirava in pranzi e cene in famiglia?) e un eccezionale Gianfelice Imparato. Co-protagonista la comunità singalese di Napoli. Imparato è un cinquantenne scienziato precario neolicenziato napoletano. Servillo un politicante "cattivo" e senza scrupoli. Per una serie di divertenti circostanze, si ritroveranno a dividere una malmessa casupola su un terrazzo di un immobile, localizzato nel cuore della comunità singalese di Napoli. Con loro una ex gloria di cricket, un ragazzo dello Sri Lanka, neo immigrato in Italia. I due italiani, dunque, stranieri in terra propria. E' un film molto divertente "Into paradiso", una commedia "agrodolce", che raccoglie la realtà esasperandone alcuni aspetti. Con risultati ragguardevoli. Anche lo stile scelto non lascia indifferenti. La Randi sperimenta molto con la pellicola e il film ne guadagna in ricercatezza ed eleganza. Potrei azzardare "non sembra un lavoro italiano". Ma forse invece lo è nell'anima più profonda: vi si ritrova la risata "grassa" e quella "amara", la leggerezza riflessiva, si strizza l'occhio in modo intelligente ad argomenti socio-culturali delicati. I colori di Napoli inseguono quelli della comunità singalese. Il dialetto partenopeo canta con il vociare orientale. Servillo e Imparato sono due maschere meravigliose. Da vedere.

Monicelli, Sorrento

2010-12-02T08:41:00.000-08:00

Sono reduce dalla quattro giorni delle Giornate Professionali del Cinema di Sorrento. A Giffoni vedi il cinema dagli occhi dei ragazzi. Venezia è il carrozzone, il luna park, ma anche il festival che fa sognare. A Sorrento l'arte è l'ultimo di pensieri, il mercato il primo. E forse è uno degli appuntamenti più interessanti in assoluto. Distributori ed esercenti, produttori e registi, operai e padroni, artisti ed imprenditori.

Ho appreso la notizia della morte di Mario Monicelli tra i margini dell'atmosfera frenetica della convention sorrentina. Subito dopo la proiezione di "Into Paradiso" dell'esordiente Paola Randi (molto carino il film). Il protagonista, Gianfelice Imparato (tra gli altri, "Gomorra"), ha lavorato un paio di volte con il maestro autore di una miriade di capolavori e film cult (l'ultimo di una certa generazione, ahimè). Affido il ricordo di Monicelli alle parole di questo eccezionale interprete napoletano, incontrato nel corso delle Giornate. Intanto, anche da qui, un saluto al grande Mario. Ci mancherà.

Gianfelice Imparato su Mario Monicelli: "Anche con quest'ultimo, tragico, gesto ha confermato quello che era:un uomo di una lucidità estrema. Non l'ho capito al momento, preso dal dispiacere per la sua scomparsa. Invece riflettendo, sono contento per lui. Ha voluto mettere lui stesso la parola fine.".

Ricette da Oscar

2010-11-19T02:48:00.000-08:00

Un'amica suggerisce questo link: MANGIARE BENE

Particolare rubrica sul mitico connubio Settima Arte e cucina. Ci trovate tantissime ricette "viste"nei film. Si va dal cosciotto di cinghiale arrosto di Astérix ai cookie di "Criminali da strapazzo" di Woody Allen, dal pollo siam di "Anna and the King" alla créme brulée de "Il favoloso mondo di Amélie Poulain".

Da provare.

ps. ah c'è anche il pane elfico de "Il signore degli Anelli" !!!

Stanno tutti bene

2010-11-14T15:10:00.001-08:00

"Stanno tutti bene", attualmente in sala, è il remake di un film, stesso titolo, che Giuseppe Tornatore realizzò 21 anni fa. Ieri c'era Marcello Mastroianni, oggi Robert De Niro. La storia rimane fondamentalmente la stessa. Il protagonista è un vedovo in pensione con i figli sparsi per varie città negli Stati Uniti. Li andrà a trovare uno a uno, scoprendo verità sulle loro esistenze che non avrebbe mai immaginato. Il remake rimane abbastanza fedele all'originale: l'idea del viaggio itinerante alla ricerca dei figli è molto bella. Tornatore ci "andò giù in modo più pesante". Il regista siciliano alternava i vari momenti dell'itinerario ad una visione onirica che vagamente ricalcava l'immaginario felliniano. Mastroianni, poi, era commovente. Qui si "sogna" di meno, invece, si bada soprattutto ai fatti. Lo stile è più asciutto, più "americano". Ci sono però scelte narrative poetiche come il riferimento ai cavi del telefono: De Niro rivestiva, durante la sua vita lavorativa, i cavi stessi , la comunicazione tra i ragazzi passa attraverso quei cavi, il padre che non sa comunicare con i figli, ecc ecc. De Niro dà una grande prova, un'ennesima conferma del suo talento. E lo fa con uno stile proprio, senza provare a rifarsi all'ingombrante e malinconico precedente.

Il racconto, però, di Tornatore oltre a scavare nei meandri delle dinamiche familiari, trasportava il pubblico anche in un viaggio nell'Italia dell'epoca. Ogni città un figlio, ogni città un carattere, un'identità. Tra le righe anche una polemica sulla società di quegli anni (l'immagine del bébé assorto davanti alla tv....). Nella versione americana questo aspetto manca e il regista si concentra soprattutto sul rapporto genitore-prole.

Inevitabilmente commovente.